Полное имя Дие́го Родри́гес де Си́льва-и-Вела́скес.

Чаще всего мастер писал погрудные и поясные портреты, а также портреты в рост почти лишенные аксессуаров и сюжетной конкретики. Это например хитрый и жестокий временщик граф-герцог Оливарес, портрет 1638 года, суровый и хмурый стареющий вельможа дон Хуан Матеос, портрет 1632 года, элегантный, избалованный жизнью итальянский кардинал Камилло Анстальи, портрет 1640-х годов, погруженный в работу скульптор Мартинес Монтаньес, портрет 1637, или овеянный благородным изяществом образ «Дамы с веером» 1648.

Граф Оливарес

Хуан Матеос

Камилло Анстальи

Мартинес Мантаньес 

Замечательна характеристика образов Веласкеса исполненных значительности и правды. В чувствуется уважение художника к личности каждого человека каким бы он ни был. Образы Веласкеса не идут на открытый и свободный диалог со зрителем, они полны сдержанности, чувства собственного достоинства и собственной значимости. Это образы несколько замкнутые, по-испански крупные и суровые.Рассмотрим подробнее один из лучших его портретов этого времени «Портрет дона Хуана»  

Дон Хуан

Серо-коричневый фон в нем благодаря соотношению валеров кажется воздушным, обладающим глубиной. Создается полное ощущение окружающей фигуру реальной среды. Впечатление объема человеческого тела достигается не только светотеневой лепкой, также и точно найденной постановкой фигуры, динамикой ее линий, очертанием ее силуэта. При этом композиционное построение, выбор позы, жеста, поворота головы, наконец, сочетание красок и движение мазков подчеркивают наиболее характерные черты модели. Свободно положенные краски образуют тончайший слой, сквозь который нередко просвечивает крупнозернистый холст. Особой виртуозности художник достигает в моделировке лица, черты которого передаются легким движением кисти; они как бы возникают из общего живописного целого; переходы светотени и расположение мазков выявляют пластическую форму и строение лица. В гамме красок преобладает сочетание темных тонов, соответствующее тонам одежды испанской аристократии. Однако цветовая гамма портретов при ее, казалось бы, сдержанности обладает потрясающей живописной красотой. Сам черный цвет лишен непроницаемости, он полон богатейших оттенков. Строгое цветовое решение портретов оживляется изысканными сочетаниями зеленоватого и серо-коричневого, черного и золота. Художник извлекает поразительные эффекты звучания целой гаммы серых тонов, то более темных, мягких, то переходящих к оливковым, то достигающих чистого, свежего жемчужного оттенка. Каждый из портретов Веласкеса выполнен с неповторимым красочным созвучием, в особом живописном ключе.

В 1649 г. Веласкес с целью покупки произведений искусства был вновь послан королем в Италию. В этот раз он приехал сюда не начинающим художником, а великим испанским живописцем в расцвете своих творческих сил; его имя было известно уже всей Европе, его мнением об искусстве интересовались самые крупнейшие итальянские мастера.В 1630-х – 1640-е годы Веласкес пишет серию портретов придворных шутов, в которых он также как и в портретах высших испанских грандов подчеркивает достоинство и значительность каждой человеческой личности. Однако в этих портретах иногда появляется некая трагическая нотка, как например в портрете Себастьяно Мора. 

В облике этого карлика с деформированной фигурой и искалеченными руками Веласкес подчеркивает внутреннюю силу, крепость духа и глубину ума, в нем нет ни отчаяния, ни озлобленности, только строгость и чувство собственного достоинства. В портретах других придворных карликов Франсиско Лескана по прозвищу «дитя из Вальескаса» и придворного карлика Эль Примо Веласкес создает образы людей с беспомощным слабым телом, лишенных возможности жить полноценной жизнью, но не лишенных богатства внутреннего мира, проницательного ума и человечности.

В Риме, загруженный поручениями короля и исполнением ряда заказанных ему портретов, большинство из которых не сохранилось до наших дней, Веласкес в немногое свободное время для себя пишет пейзажи на вилле Медичи, а также замечательный портрет своего ученика и слуги Хуана Парехи.

Хуан Парехи

Этот портрет имел большой успех в Риме. Он был выставлен для обозрения в Пантеоне, а Веласкес избран в члены римской Академии св. Луки. Написанный же вскоре после него портрет римского папы Иннокентия X 1650 года,  являющийся одним из подлинных шедевров искусства Веласкеса буквально покорил итальянцев.

В нескольких пейзажных полотнах Веласкеса сделанных в Италии чувствуется движение света и свобода пространства, напоенность воздуха теплом и солнечными лучами, вибрация, изменчивость прозрачных теней, очертаний предметов, как например в картине «Вилла Медичи» в Риме, вилла Медичи с фасадом гротто лоджии.

Мощное цветовое звучание портрета, построенного на напряженном контрасте белого и красного обладающего поразительным разнообразием вишневых, малиновых, пурпурных, пламенно-розовых оттенков, становится как бы выражением внутренней энергии и темперамента папы. Лицо Иннокентия X, с пронизывающим взглядом глубоко посаженных глаз, притягивает зрителя своей внутренней силой. Глава католической церкви предстает на ней как человек сильных страстей, полный властности и волевой целеустремленности. В этом парадном портрете характер модели раскрыт так полно и многогранно, что кажется, ничто не осталось скрытым от проницательного взора художника. Как известно, лучшую оценку этого портрета дал сам Иннокентий X, увидев его в законченном варианте он воскликнул: «Troppovero!», что значит «Слишком правдиво!». Однако он благосклонно принял портрет и Веласкеса наградил золотой цепью.

Папа Иннокентий Х

Находясь в Риме и завоевав здесь признание, Веласкес чувствовал себя свободным, полным сил и творческих замыслов; его увлекали новые впечатления, но уже в июне 1651 года он был вынужден вернуться в Испанию.

Произведения, созданные в 1650-х годах – самые высокие достижения его гения. Поздний период творчества Веласкеса – не только вершина испанского «золотого века», но и одна из вершин европейской живописи XVII столетия, художественное явление мирового значения. Как никогда, искусство Веласкеса проникнуто утверждением красоты и многообразия мира, которые он запечатлевает с поразительным живописным совершенством. Изображенное им как бы выхвачено из самой жизни, которая предстает в его картинах в разнообразных аспектах, во всей своей внутренней подвижности и изменчивости.

В поздний период творчества Веласкес создавал портреты главным образом представителей королевского дома. В 1657 году он написал исключительно острый по своей психологической характеристике портрет стареющего Филиппа IV из Прадо. 

Филипп IV

С глубокой объективностью Веласкес изобразил испанских инфант в ряде детских и женских портретов. Его живописное видение проявилось здесь необычайно ярко. Чарующим великолепием колорита отличается цветовое звучание костюмов, написанных то в зеленовато-синей, то в нежной золотисто-серой и особенно в любимой мастером серебристо-розовой гамме с красочными пятнами черного и кораллово-красного, например портрет инфанты Маргариты в восьмилетнем возрасте и портер инфанты Маргариты исполненный в 1600 году.

Подлинным увенчанием творчества Веласкеса являются два его находящихся в Прадо произведения – это создания 1656 года «Менины» (Рис. 24) и полотно 1657 года «Пряхи». 

Пряхи. 

Картина «Менины», по-португальски менина – это молодая девушка-аристократка, которая находилась в качестве фрейлины у испанских инфант, поэтому картину называют также «Фрейлины» или «Придворные дамы». 

Менины

Итак эта картина переносит нас в обстановку просторной дворцовой комнаты. Слева у большого холста, натянутого на подрамник, Веласкес изобразил самого себя в момент, когда он пишет портрет королевской четы. Сами король и королева не представлены в картине – они как бы находятся на месте зрителя, который видит лишь их смутное отражение в зеркале на противоположной стене зала. Маленькая инфанта Маргарита – королевская дочь пятилетняя принцесса, изображенная в центре картины в окружении фрейлин и карликов, призвана развлекать родителей в утомительные часы сеанса. За группой переднего плана видны фигуры придворной дамы и кавалера; сзади гофмаршал королевы Хосе Ньето отдергивает гардину с окна, и сквозь открытую дверь солнечный свет вливается в полутемную комнату.Какой бы области живописи ни коснулся Веласкес, всюду он создавал нечто новое. Так около 1657 года мастер написал свою картину «Венера с зеркалом». 

Прекрасный образ античной богини неоднократно привлекал внимание европейских художников, но мы не встретим его в испанском искусстве, скованном суровыми запретами христианского аскетизма. Лишь Веласкес осмелился нарушить их. В своей картине он во многом опирался на традиции, сложившиеся в искусстве венецианских мастеров 16 столетия. Так, следуя примеру Тициана, он изобразил обнаженную богиню лежащей на богатом ложе. Но в эту ставшую как будто привычной тему Веласкес внес нечто принципиально новое. Как ни исполнены жизни полнокровные образы Тициана, в них все же явственно выражено идеальное начало; присущее им особое величие возвышает их над повседневной реальностью. Красота же Венеры Веласкеса – это красота реальной, живой женщины, без привнесения в нее идеальных элементов, это красота самой натуры. Венера Веласкеса воплощает испанский идеал женской красоты, она хрупка и пропорции ее фигуры далеки от античной правильности. Художник нашел для своей картины новый композиционный мотив: Венера изображена со спины, ее лицо тускло отражается в зеркале, которое держит амур. Сам выбор композиции подчеркивает певучий, плавный ритм молодого гибкого тела. Ему вторят движение мягких складок покрывала, занавеса, очертания ленты у зеркала.

Замысел произведения сложен и необычен, в нем сочетаются черты бытовой картины и группового портрета, что усложняет и обогащает композицию. И вместе с тем Веласкес как бы раздвигает границы этих жанров, обнаруживая в каждом из них новый аспект и художественные возможности. Героями картин не стали ни царствующая чета, ни придворные дамы. Многообразная красота жизни, ее притягательность и неотразимая сила являются главной темой «Менин». Не случайно столь важное место в композиции занимает инфанта Маргарита одетая в необыкновенный по изысканной красоте цвета наряд. Ее трепетное детское нежное очарование словно вобрало в себя всю чарующую прелесть бытия. Художник расширяет в картине само восприятие реальной среды. Пространство здесь как бы выходит за пределы полотна, так как сама королевская чета находится вне его. В то же время ощущение вторгающегося в картину реального мира выражено и в глубоком движении – взор зрителя устремляется по продольной оси к открытому окну, откуда струится яркий солнечный свет. Все пронизано воздухом, причем, как справедливо заметил один исследователь, создается впечатление, что в картине колеблется тот же воздух, которым дышат смотрящие на нее зрители.

Последняя крупная работа Веласкеса «Пряхи» 1657 года  раскрывает все возможности бытовой жанровой композиции, которая по широте замысла и значительности идеи могла стать в искусстве XVIIвека в один ряд с произведениями на религиозные и мифологические темы. Здесь как и в ранних работах «Вакх» и «Кузница Вулкана» Веласкес переосмысляет сюжет античной легенды, которая становится только предлогом для создания жанровой сцены. Картина изображает королевскую шпалерную мануфактуру, она словно разделена на две зоны. На первом плане изображена мастерская, занятые работой ткачихи, а в проем арки мы видим придворных дам пришедших полюбоваться изделиями искусных мастериц. Они рассматривают повешенный на стене и оказывающийся в центре картины гобелен. На нем вышита сцена из «Метаморфоз» Овидия, разгневанная Афина указывает на чудесный ковер, сделанный Арахной, простой девушкой, сумевшей превзойти богиню в искусстве ткачества и за это наказанной ею. Этот сюжетный мотив не случаен – он оказывается в тесной взаимосвязи с образами картины, обогащая наше представление о них новой гранью, ибо образ Арахны в мифе – это олицетворение творческой силы человека, который равен богам в создании замечательных художественных ценностей.

«Пряхи» – это апогей мастерства Веласкеса, своей вершины в это время достигает и придворная карьера художника. Король наградил его высшим орденом Испании – Крестом Сантьяго. Однако в это время художник был уже тяжело болен и все больших усилий стоило ему прилагать чтобы работать за мольбертом. Силы оставляли его и 6 августа 1660 года после присутствия на церемонии бракосочетания королевской дочери и французского короля Людовика XIV Веласкес лег в постель и чрез несколько часов умер.Двухплановость художественного строя отражающаяся в композиции преодолевается Веласкесом с помощью света, который объединяет две части полотна, показывая их двумя сторонами единой жизни. Единая воздушная среда объединяет и мягкий полумрак и солнечный свет, который то погружает фигуры в золотистую мглу, то переливается в шелковых платьях придворных дам и в цветных нитях гобелена, то, проходя сквозь полузавешенное красной тканью окно, ложится ровными красновато-золотистыми бликами на фигуры работниц, слегка смягчая их контуры и погружая в световоздушную среду окутывая движением воздуха.

Значение его искусства для развития мировой живописи неоценимо. Творческое наследие Веласкеса служило источником вдохновения для выдающихся французских мастеров XIX столетия; восторженные оценки ему мы находим у русских реалистов – Крамского, Сурикова, Репина, Серова. Для живописцев разных эпох и поколений искусство Веласкеса всегда остается высоким образцом художественного совершенства.

Искусство Испании второй половины XVII века уже не дало столь ярких и талантливых художников, какими была богата первая половина века. Важным событием в сложной и противоречивой художественной жизни Испании этого времени было создание в 1660 году Севильской Академии Художеств, своего рода свободной творческой организации, содержавшейся на средства ее членов. Основное требование, которое предъявлялось к обучающимся в Академии молодым живописцам и скульпторам, было требование тщательного изучения натуры. Художественное образование в духе высоких национальных традиций противопоставлялось столь обязательному в других художественных академиях принципу слепого подражания классическим образцам. Одним из организаторов и первым президентом Академии был Бартоломее Эстебан Мурильо, последний крупный испанский живописец XVII века. Его жизнь прошла безвыездно в Севилье, где он пользовался исключительной известностью. Эстебан Мурильо исполнял многочисленные заказы различных церковных организаций города, создавая большие живописные циклы, писал жанровые картины, портреты.

Более чем кто-либо из современных ему живописцев, Мурильо стремился сохранить традиции реализма. И всегда оставался при этом художником своей темы. Почти все его работы изображают Мадонну и святое семейство. В противоположность драматической выразительности Риберы и эпической строгости Сурбарана Мурильо обычно считается художником лирического плана. Многое по-иному звучит в его картинах на религиозные сюжеты, в которых нет ни страстной силы, ни внутреннего напряжения человеческих чувств, ни яркой обрисовки характеров. Они более интимны, непосредственны, мягки по настроению. Этому способствует и живописная манера мастера: нежная цветовая гамма, серебристая воздушная дымка, окутывает фигуры, тонкая светотеневая моделировка, как например в картинах «Благовещение», «Непорочное зачатие», «Мария с младенцем и музицирующими ангелами». Мурильо слегка смягчает образы своих героев, обобщает их, избегая характерных лиц, несколько идеализирует их. Замечательна композиции со святым семейством – «Святое семейство с Иоанном Крестителем» и так называемое «Святое семейство с собачкой» напоминающие тихие сценки простого семейного счастья. Включение в них небольших реалистических деталей, таких как изображение корзины с тканями и нитками, прялка, плотницкий станок вносит в них элемент жанровости, которая активно раскрывается в бытовом жанре Мурильо.

Уже со второй половины XVII века культура Испании склоняется к упадку. Свидетелем чего были еще Веласкес и его современники, но они еще верили в возможное возрождение испанской культуры. Во второй половине XVII века кризис изобразительного искусства становится очевиден. В XVIII веке оно не дало значительных плодов и новый взлет его будет связан только с творчеством Франсиско Гойи, уже на рубеже XVIII и XIX столетий. Он пишет серии картин посвященных жизни севильских жителей, в которые вносит нотки повествовательности и юмора не знакомые до этого испанскому жанру. Например это «Девушка и ее дуэнья», «Мальчики с фруктами», «Мальчик с собакой» (Рис. 26), «Туалет». Сильные стороны искусства Мурильо – интимность настроения, задушевность и теплота чувств. Они представляют его вклад в испанскую художественную культуру XVII века. Но в живописи Мурильо нет ни только суровой силы и возвышенности присущей искусству великих предшественников, но ему не хватает ни их глубины, ни духовной мощи. Однако это не помешало Эстебану Мурильо завоевать огромную популярность среди испанцев, заслужить самые высокие оценки среди своих современников и у испанских историков искусства. Отношение самих испанцев к художнику сегодня Дон Эдуард Домигес выразил так: «Для испанцев Мурильо – святой. Они произносят его имя с улыбкой, как будто желая этим сказать “Он – наш”. Говоря это они смотрят, так как будто требуют от слушателя уважения».