Не ставить себе никаких границ и пределов...
автор Тина Гай.
Наталья Сергеевна Гончарова - самая дорогая и самая известная русская художница. Последняя московская выставка ее работ, прошедшая в 2013 году, ровно сто лет спустя после знаменитой персональной выставки 1913, представила более 400 произведений за весь период ее творческой жизни, отстоявшихся временем и самых знаменитых.
На той, первой, выставке было более 750 работ, выполненных за первые тринадцать лет, самых важных в ее творчестве. Тогда, в каталоге Наталья Сергеевна Гончарова провозгласила собственное кредо, которому останется верной до конца:
«Не ставить себе никаких границ и пределов в смысле художественных достижений. Всегда пользоваться всеми современными завоеваниями и открытиями в искусстве».
В 2016 году Наталье Сергеевне Гончаровой исполняется ровно 135 лет со дня рождения (1881), что дает основание вспомнить еще раз об этой удивительной женщине и талантливом художнике. Странно то, что, хотя последняя московская выставка называлась «Между Востоком и Западом», все-таки «между» никогда не было.
Прачки. 1911
Было стремление впитать все стили современного искусства первой половины двадцатого века, но при этом остаться верной национальной традиции. Более того, именно погружение в авангардные течения живописи нового века позволили ей открыть глаза на собственную традицию, лежащую в основе русской народной жизни, что в последующем стало стержнем ее творчества, без труда позволяющее узнавать гончаровский стиль.
Наталья Сергеевна жила и писала на стыке, а не между, на стыке традиции и современности, которые дополняли и питали друг друга. Это не было эклектикой, в которой видны швы. Швов не было, все было органично и по-новаторски оригинально.
В отличие от Рене Генона, углублявшегося в различия Востока и Запада, Гончарова делала акцент на прямо-противоположном: на их взаимосвязи и взаимодополнении. Сочетание - восточной традиции с западными формами ее выражения - главное, что привлекает в ее ярких работах похожих одновременно на фовизм, русский лубок, кубизм и футуризм.
Посадка картофеля. 1908-1909
Как дети, рожденные в межнациональных браках, похожи сразу на обоих родителей, вбирающие черты того и другого, так работы Гончаровой похожи сразу на Гогена, Анри Руссо, Пикассо и Матисса, но и на скифские изваяния, половецкие каменные бабы и на деревенский русский быт - тоже.
В начале XX века русский фольклор и народный лубок, русский костюм и народная сказка вдохновляли и питали творчество многих поэтов, писателей, композиторов и художников Серебряного века, начиная с Хлебникова, мирискусников и кончая Стравинским и русским авангардом.
Наталья Сергеевна была благодарна французским художникам за то, что помогли ей открыть глаза на национальное, подарив современный язык, на котором можно было выражать свое, русское, воспринимаемое не как анахронизм , а как исток своего, родного. Еще Александр Бенуа писал:
Архистратиг Михаил 1910
«…нас позже всех, … но, наконец, коснулось великое националистическое движение Запада. Сначала, как и там, явились предтечи-археологи, затем кое-кто из художников попробовал стать русским, а теперь уж почти все художники и все общество чувствуют великую радость оттого, что могут иметь свое русское искусство, по-своему творить и даже по-своему красиво жить, по-своему наслаждаться своими красотами. Но это еще так ново для нас, для общества и художников, что лишь робко и с тревогой мы идем точно по новому, а в сущности по старому пути».
Первым этапом становления художественного стиля Гончаровой стал отнюдь не импрессионизм, с которого начинали тогда все молодые художники, в том числе и она. Он был только прелюдией. Гораздо сильнее на нее повлиял постимпрессионизм: Гоген, Ван-Гог, Матисс, Пикассо, Тулуз-Лотрек, Анри Руссо и другие.
Гоген – был первым, кто ее поразил. Вдохновленная гогеновским «Сбором плодов» (1899) художница создает собственную серию с одноименным названием (1908), в которой не только цитирует Гогена, но и обнаруживает начатки собственного стиля. Одна из картин этой серии «Сбор яблок» в 2006 году ушла с аукциона Christie’s за десять млн долларов, установив рекорд для русской живописи и художника-женщины.
Потом появилась целая серия картин, выполненных в неопримитивистском стиле: «Продавщица хлеба», «Бабы с граблями», «Распятие», «Мытье холста», «Лен», «Покос», «Прачки" и другие. Гоген открыл ей и новый взгляд на первобытные скульптуры, из которых вырос ее интерес к каменным бабам, часто присутствующие в ее картинах того периода.
По первоначальной художественной специализации она была скульптором и ощущала объем и форму ничуть не хуже, чем - цвет в живописи. В этот период появляются знаменитые «Каменная баба» (1908), «Соляные столпы» (1908), «Натюрморт со скульптурой» (1909),где баба, кажется, создана ее собственными руками. Интерес к первобытным каменным бабам сохранялся и позднее.
Каменная баба. 1908
В 1910 году по приглашению братьев Бурлюков Гончарова с Ларионовым едут в Херсон, где собственными глазами видят настоящих каменных скифских баб, найденных в археологических раскопках. Если Гогену для того, чтобы открыть для себя первобытный мир, нужно было уехать за тридевять земель, то Наталья Сергеевна все это видела, никуда из России не выезжая. Все было рядом.
Второй ступенькой к собственному стилю для Натальи Сергеевны стал Матисс с его знаменитым «Танцем» (1910). Матисс вдохновил Наталью Сергеевну на "Крестянский танец" и «Хоровод» (1910), в котором угадывается Матисс значительно меньше, чем Гончарова. И наконец, Пикассо, третья ступенька, завершающая становление ее авторского стиля.
Хоровод. 1910
Африканские маски, грубые негритянские скульптуры, обнаженная натура, выполненные в стиле кубизма, все это проявилось в новых картинах Гончаровой. Но если от первобытных фигур Пикассо исходила злая энергетика, то от картин Гончаровой - тонкая и мягкая ирония.
Однако, когда Наталья Сергеевна выставила свою «Негритянку» и «Натурщицу на синем фоне» в числе восемнадцати картин на выставке 1910 года, ее обвинили в порнографии. От тюремного заключения спас брат знакомой художницы Ходасевич, выступавший в качестве адвоката на суде. Ее оправдали, но в критической статье, написанной, кстати, В.Гиляровским, но вышедшая без его подписи, публика читала про:
««какую-то эстетичку» с картинами «настолько неприличными, что секретные анатомические отделения музея Гаснера пасуют перед этим возмутительным развратом... И возмутительнее всего, что автором является женщина… И главный ужас ещё в том, что в числе публики были очень юные…»
Слева "Негритянка", справа "Натурщица на синем фоне". 1908
Мощная энергетика, исходящая от обнаженной натуры, ее неприкрытый натурализм, брутальные жесты, цельность, скульптурность и отчетливость формы – все это было вызовом для публики, не привыкшей к такой откровенности. На лекции в 1911 году художница скажет, что, наконец-то, она стряхнула со своих ног прах запада, а еще через год уже совсем смело и окончательно:
«Кубизм вещь хорошая, но не совсем новая. Скифские каменные бабы, крашеные деревянные куклы, продаваемые на ярмарке, – те же кубистические произведения. Правда, это не живопись, а скульптура, но и во Франции, родине кубизма, исходной точкой для этого направления послужили памятники готической скульптуры».
Неопримитивизм - вершина и стержень всего творчества Натальи Сергеевны Гончаровой, и хотя потом у нее был период увлечения лучизмом, футуризмом, кубофутуризмом и театром, но этот стержень, сформированный ею в первые десять лет творчества, стал определяющим, которому она по большому счету никогда не изменяла.
Ну а я от себя добавлю ещё несколько картин художницы, для бОЛьшего знакомства с её творчеством.
Гончарова Н.С. «Пустота» .
Описание картины
Эта картина – исключение и одновременно новаторство. В творчестве Гончаровой впервые едва ли не во всей русской авангардной живописи появляется абстрактная структура в виде разноцветных концентрических колец неправильной формы.
Эта структура, имеющая биологическую, белковую форму, неустойчива по своим очертаниям, сжимающаяся и разжимающаяся вширь и в глубину, похожа на неведомую материальную субстанцию, на всплеск энергии.
Она наполнена, как всегда у Гончаровой, дыханием жизни, правда, жизни другого уровня – жизни мыслящей материи.
Ритмичность и чередование синих и белых колец убывающих размеров с меняющейся шириной ленты плотной гладкой фактуры создает свое собственное пространство, перетекающее внутри этих форм, обтекаемое другим пространством, формируемое живописной массой черно-зелено-лилового цвета с матовой фактурой.
Окружающее пространство становится проницаемым, несмотря на свойство темной матовой структуры поглощать весь свет.
Гончарова нарушает физику цвета и физику вещества, разрушая единство и материальную плотность, создаваемые красящими пигментами, введением белильных живописных элементов, напоминающих зеркальные блики.
Плоскость всего живописного поля картины, кажется, теряет свои материальные границы. А композиция готова преодолеть их, становясь как бы иллюстрацией положения о 4 измерениях: «Картина является скользящей, дает ощущение того, что можно назвать 4 измерением, – вневременного и внепространственного…».
Материальный объем – краски, их фактура, т.е. «полное» – изображает «пустое»: «полное» рождает «пустое», объем становится категорией пространства. Картина может показаться чисто абстрактной. Если задуматься о теософских знаниях, можно представить, что центральное белое пятно – как бы обозначение туннеля, который ведет в иной мир, в мнимую «пустоту». Это потусторонний цвет.
Синие кольца – своего рода ступени перехода по этому туннелю в иной мир.
Тема перехода в иной мир не впервые поднимается в творениях художниках.
Подобные туннели присутствовали в работах других художников-духовидцев. Яркий пример – «Рождение души человеческой» 1808 года немецкого романтика Ф.О. Рунге.
Гончарова Н.С. «Велосипедист».
1913 г. Холст, масло. 78x105 cm.
Государственнй Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
Описание картины
В картине точно передана стремительная скорость движения.
Мимо мчащегося велосипедиста мелькают уличные вывески и сливаются в одно целое. Быстрое движение колес передано через их многократное повторение друг возле друга.
И сам человек, пригнувшийся к рулю, расслаивается, становится подчиненным общей идее – скорости.
Это основные признаки футуризма – смещение контуров, повторение деталей и вкрапление незаконченных фрагментов. Разлагая формы видимого мира, Гончарова, тем не менее, сумела создать целостный образ динамики в жизни отдельного человека.
В этой картине воплощена эстетика ХХ века – века технического прогресса и ускоренного темпа жизни.
Уже произошла 1 Русская революция 1905 года. Накануне Первой Мировой войны, начавшейся в 1914 году, неспокойная обстановка в общества была тонко уловлена художницей и выражена в невинном сюжете – условной фигуре человека на велосипеде.
Это одна из лучших картин художницы в стиле кубофутуризма.
Последующее творчество Гончаровой шло в духе нового, изобретенного М. Ларионовым стиля «лучизм».
Гончарова Н.С. «Желтый и зеленый лес».
Описание картины
Один из серии «лучистых пейзажей». Все в этой картине размыто проблесками пересекающихся лучей, за ними едва угадываются очертания деревьев.
В центре композиции – 2 уходящих ввысь ствола, глухого синего и коричневых тонов. Интенсивное пятно желтого цвета в кроне дерева, из которого вырываются лучи, густые зеленый и темно-синий тона доходят до абсолютной глубины цвета.
Высокие кроны деревьев – все в пересекающихся лучах.
Даже в густом коричневом тоне земли вспыхивают проблески лучей света. Это привносит в пейзаж взволнованное и приподнятое, но нереальное, почти мистическое звучание.
Есть мнение, что этот пейзаж – простая иллюстрация к философским построениям П.Д. Успенского «Tertium Organum. Ключ к загадкам мира».
Мистика и эзотерика переплелись в его жизненном пути с оккультизмом и целительством.
Предложенная философом новаторская модель Вселенной, в которой не 3, а 4 измерения, в том числе время.
Также призывал к созданию мира на основе идеи синтеза Психологии и Эзотерики, что вело к высшему уровню осмысления и осознания жизни человека.
Гончарова Н.С. «Покос» 1910 г.
Гончарова Н.С. «Бабы с граблями» 1907 г. Холст, масло
Гончарова Н.С. «Маленькая станция» 1911 г.
Гончарова Н.С. «Лен» 1908 г.
Гончарова Н.С. «Крестьянские танцы» 1911 г.
Гончарова Н.С. «Павлин под ярким солнцем».
Описание картины
Художница изображала одного и того же павлина в 10 стилях (в «египетском» стиле, в виде «русской вышивки», футуристическом, кубистическом и др.). Была создана целая серия под названием «Художественные возможности по поводу павлина».
Он был ее символом, символом ее искусства.
Павлин был близок Гончаровой, поскольку это глубокий целостный символ. К примеру, в римском искусстве он мог обозначать триумф дочерей императора. На Востоке павлин являлся выражением души, которая из принципов единства черпала свою силу.
В христианстве павлин считался образом веры в бессмертие и воскресение, а его оперение из «тысячи глаз» указывало на всеведение.
Многоцветие оперения намекало на красоту мира (в Китае) и сам акт творения в исламе – символ Вселенной).
Павлин может восприниматься как знак единства Бытия.
Символизм его ассоциируется с теми древними синкретическими культурами, которые так полюбила художница. В египетском варианте головка и шея павлина изображены в профиль, а хвост, согласно канонам египетского искусства, развернут фронтально. При этом он как будто распластан по плоскости темного фона, выделяясь своим неповторимым оперением.
Он как будто покрыт не перьями, а яркими красками, действуя на зрителя больше физиологически.
В ярких красках воплощена поистине первозданная энергия, напоминающая об аналогичных воплощениях человеческих эмоций в русском народном творчестве.
Предположительно в этой картине отразилось увлечение молодой художницы картинами Гогена с их красочной экзотикой и свободой природной жизни.
«Аэроплан над поездом» 1913 г. Холст, масло. 55 x 83 см
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань, Россия
Гончарова Н.С. «Динамо-машина» 1913 г.
