Леонардо да Винчи, 1452-1519

Неизвестный автор. Леонардо да Винчи, 1600, Галерея Уффици, Флоренция

Полное его имя — итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, то есть «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».

Картины Леонардо да Винчи представлены здесь, по возможности, в хронологическом порядке и с теми названиями, с которыми они экспонируются в музеях. Для работ Леонардо да Винчи это обязательная оговорка, так как ни датировки ни авторских названий его работ не имеется, что даёт повод для многочисленных, не связанных в целом, трактовок и гипотез. Если музей дает временной интервал, то здесь принята самая поздняя дата из этого интервала и она определяет последовательность представления работ. 

Описания картин предпочтительно музейные, если они достаточно информативны и удобоваримо перевелись. Описания музеев и описания искусствоведов даны с соответствующими ссылками. 

Свои примечания даны без ссылок и отражают только своё непросвещённое зрительское мнение или уточнение перевода на русский язык.

1473 Леонардо да Винчи. Мадонна с гвоздикой. ок. 1473, дерево, масло, 42х67 см. Старая пинакотека, Мюнхен_1 (537x700, 476Kb)

Леонардо да Винчи. Мадонна с гвоздикой (Madonna mit der Nelke), ок. 1473, дерево, масло, 42х67 см. Старая пинакотека, Мюнхен

Описание музея - Когда Леонардо да Винчи создал эту работу, ему едва исполнилось 20 лет, и он работал в мастерской своего учителя Андреа дель Верроккьо. Образ Мадонны и радость деталей в изображении ее мантии намекают на влияние Верроккьо и современного искусства во Флоренции на молодого художника. Новым, однако, является последовательное использование света и тьмы, чтобы придать фигурам убедительную физичность и, следовательно, живость. Сконцентрированные жесты матери и ребенка придают представлению необычайно глубокую эмоциональность. Младенец Христос тянется к гвоздике, символу своей жертвенной смерти и божественной любви, которую Мария предлагает ему.   https://www.pinakothek.de/kunst/meisterwerk/leonar...

Описание с сайта "Музеи мира"   Чем больше столетий отделяет настоящее от искомого прошлого, тем сложнее установить достоверность фактов. Вот и картина великого Леонардо до сих пор вызывает не только восхищение, но и вопросы.Её принято датировать 1478 годом, когда художник был ещё очень молод и трудился в мастерской другого прославленного итальянца Верроккьо. И в самом деле, схожие черты у картины с картинами учителя имеются, однако, больше в ней всё же авторских находок. Это проявляется и в технике сфумато, которое представляет нам лик Мадонны как некий отрешённый и высокий образ, и в характере картины, и в композиции. Две основные фигуры полотна даны нам в резком противопоставлении – это смиренная, одухотворённая мать с тонкой изящной гвоздикой в руках и чуть заметной улыбкой на лице, и энергичный непоседливый младенец, который даже упирается ножкой в мягкую подушку, чтобы дотянуться до цветка. Очень необычайно претворения канонического сюжета!Примечательна история картины – Вазари в своих рукописях упоминает о ней, как о «отличнейшей Мадонне», которая предназначалась папе Клименту VII. После смерти Климента в 1534 году, следы работы затерялись, и лишь в 1889 году, она неожиданно нашлась. Её купил некий торговец на распродаже личных вещей некой вдовы, проживавшей в городке Гюнцбург, и вскоре перепродал её Мюнхенской Пинакотеке, представив полотно, как утерянное произведение искусство Верроккьо, взяв всего лишь 800 марок. Искусствоведы пинакотеки узнали в картине утерянную «Мадонну с гвоздикой» кисти Леонардо да Винчи, однако, до сих пор бытует мнение, что это всего лишь копия с оригинала, который так и остался в безызвестности.       https://muzei-mira.com/kartini_italia/1933-madonna...

1475 Андреа дель Верроккьо (1435-1488) и Леонардо да Винчи. Крещение Христа. 1472-1475, дерево, масло, 177х151 см. Галерея Уффици (594x700, 619Kb)

Андреа дель Верроккьо (1435-1488) и Леонардо да Винчи. Крещение Христа (Battesimo di Cristo), 1472-1475, дерево, масло, 177х151 см. Галерея Уффици, Флоренция

Примечание - Надпись на ленте: ECCE AGNUS DEI - Вот агнец Божий.


1475 Андреа дель Верроккьо (1435-1488) и Леонардо да Винчи. Крещение Христа. 1472-1475, дерево, масло, 177х151 см. Фрагмент (460x700, 381Kb)

Андреа дель Верроккьо (1435-1488) и Леонардо да Винчи. Крещение Христа (Battesimo di Cristo). Фрагмент

Примечание музея - Левый ангел работы Леонардо да Винчи. Некоторые критики считают, что второго ангела написал Сандро Ботичелли.

Примечание - Считается, что старик Верроккьо, увидев левого ангела, признал мастерство Леонардо и более никогда не брал кисть в руки.

1475 Леонардо да Винчи. Благовещение, 1472-1475, дерево, масло, темпера, 98х217 см, Галерея Уффици, Флоренция (700x262, 283Kb)

Леонардо да Винчи. Благовещение, 1472-1475, дерево, масло, темпера, 98х217 см, Галерея Уффици, Флоренция

1475 Леонардо да Винчи. Благовещение. Фрагмент. Ангел (700x543, 471Kb)

Леонардо да Винчи. Благовещение. Фрагмент. Архангел Гавриил

1475 Леонардо да Винчи. Благовещение. Фрагмент. Мария (700x676, 544Kb)

Леонардо да Винчи. Благовещение. Фрагмент. Мария

1478'(~1 (679x700, 637Kb)

Леонардо да Винчи. Джиневра де Бенчи (Ginevra de'Benci), 1474-1478, масло на панели, 38,1х37 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон

На обороте панели:

1478_(~1 (675x700, 677Kb)

Леонардо да Винчи. Венок из лавра, пальмы и можжевельника с надписью "Красота украшает добродетель" (Virtutem Forma Decorat), темпера на панели.

Примечание музея - Портрет Джиневры де Бенчи двусторонний. Это оборотная сторона, символический портрет Джиневры. Свиток несет ее латинский девиз, означающий «Красота украшает добродетель». В центре герба веточка можжевельника (по-итальянски - джинепро, ginepro) предполагает имя Джиневры, в то время как окружающий лавр и пальма символизируют ее интеллектуальную и моральную добродетель. Лавр и пальма также оказались личной эмблемой венецианского посла во Флоренции Бернардо Бембо (Bernardo Bembo), чьи глубокие и прочные отношения с Джиневрой раскрыты в посвященных им стихах. Их платоническая дружба была типичной для той эпохи и соответствовала элитарному статусу Джиневры как дочери богатого банкира. Инфракрасное исследование выявило девиз Бембо «Добродетель и честь» под девизом Джиневры. Так что, вероятно, Бембо заказал эмблему картины на оборотной стороне портрета. https://www.nga.gov/collection/art-object-page.507...

Примечание - Запомните эту игру слов, обозначающих имя модели и наименование изображённого предмета. Этот приёмчик Мастера Леонардо мы ещё встретим.    


1478__~1 (438x700, 388Kb)

Леонардо да Винчи. Мадонна Бенуа, или Мадонна с цветком, ок. 1478, дерево, масло (переведена на холст), 48х31 см. Государственный Эрмитаж

Описание   http://spbstarosti.ru/headline/madonna-s-cvetkom-m...

Большинство исследователей относят создание этой картины к 1478 году, а это означает, что Леонардо да Винчи написал ее, когда ему было всего 26 лет. В 1914 году «Мадонна с цветком» была приобретена в коллекцию Императорского Эрмитажа из частного собрания семьи Бенуа. Незадолго до этого хранитель картинной галереи Эрмитажа Эрнст Карлович Липгарт высказал предположение, что произведение принадлежит кисти великого Леонардо, и в этом его поддержали ведущие европейские специалисты. Известно, что уже в первой трети XIX века «Мадонна с цветком» находилась в России у генерала Корсакова, из собрания которого она попала потом в семью астраханского купца Сапожникова. Мария Александровна Бенуа, урожденная Сапожникова, получила эту картину по наследству, и когда она решилась на ее продажу в 1912 году, лондонский антиквар предложил за нее 500 тысяч франков. Тем не менее, за гораздо более скромную сумму владелица уступила «Мадонну» Эрмитажу – она пожелала, чтобы творение Леонардо осталось в России.

Довольно скромная и непритязательная на первый взгляд «Мадонна с цветком» удивительна тем, что раскрывает свою прелесть далеко не сразу, а постепенно, по мере погружения в этот особенный внутренний мир. Богоматерь и младенец Иисус окружены полумраком, но глубина этого пространства отчетливо обозначена светлым окном. Дева Мария совсем еще девочка: пухлые щечки, вздернутый носик, задорная улыбка – все это черты не абстрактного божественного идеала, а совершенно конкретной земной девушки, послужившей некогда моделью для этого образа. Она одета и причесана по моде XV века, и каждая деталь ее костюма, каждый локон ее прически рассмотрен художником пристально и передан по-ренессансному подробно. Любовь и радость материнства отразились на ее лице, сосредоточенном на игре с ребенком. Она протягивает ему цветок, а он пытается его ухватить, и вся эта сцена настолько жизненна и убедительна, что впору позабыть о предстоящей трагедии Христа. Тем не менее, цветок с его крестообразным соцветием здесь не просто композиционный центр всей картины, но еще и знак, символ, предзнаменование грядущих Страстей. И, кажется, что в этом осознанном и сосредоточенном лице младенца, тянущегося к цветку, уже проглядывает будущий Спаситель, который принимает свой предначертанный крест. Но с другой стороны, в этом жесте и символ эпохи Возрождения с ее безграничным стремлением познать мир, открыть его тайны, выйти за его границы – в общем, все то, к чему так стремился сам Леонардо. Помимо высоких духовных устремлений картина являет собой некий итог тех живописных достижений, которые были сделаны флорентийскими мастерами в течение XV века, и в то же время это плацдарм для будущей эволюции искусства. Гармония целого у Леонардо создается за счет синтеза частностей: математически выверенная композиция, анатомическое построение тел, светотеневая моделировка объемов, мягкие контуры и теплое звучание цветов. Традиционный сюжет здесь переосмыслен: образ Мадонны человечен как никогда, а сама сцена более обыденна, нежели религиозна. Фигуры объемны и почти осязаемы за счет тонкой игры света и тени. Каждая складка одежды ложится согласно объему тела и наполнена движением. Леонардо одним из первых в Италии использует технику масляной живописи, которая позволяет более точно передавать фактуру тканей, нюансы светотени, материальность предметов. Для того чтобы еще нагляднее представить, насколько далеко простирались в то время все эти открытия, достаточно просто сравнить «Мадонну» Леонардо с работой его предшественника и учителя — живописца Андреа дель Верроккьо.

Первоначально «Мадонна с цветком» была написана на дереве, но для большей сохранности в 1824 году ее перевели на холст. На снимке, сделанном уже в наше время в отраженных инфракрасных лучах, над затылком младенца виднеется второй контур, который говорит о том, что Леонардо намеревался сделать ребенка еще более крупным, чем он есть сейчас. Немного отличается прическа Марии – на снимке она более пушистая и закрывает ее правое ухо. В окончательном варианте в левой руке Мадонны пучок травинок, а на снимке — цветок. Все эти изменения не существенны, но весьма интересны, поскольку позволяют заглянуть в живописную кухню творца. В 1978 году картине исполнялось ровно 500 лет. К этой дате была приурочена капитальная реставрация, во время которой удалили поверхностные загрязнения и поздние записи, а также восстановили старый лак. В завершении этой работы «Мадонну Бенуа» поместили в специально изготовленный для нее застекленный футляр.

1482 Леонардо да Винчи. Поклонение волхов (Adorazione dei Magi), 1481-1482, дерево, масло, 246х243 см. Галерея Уффици (700x677, 87Kb)

Леонардо да Винчи. Поклонение волхвов (Adorazione dei Magi), 1481-1482, дерево, масло, 246х243 см. Галерея Уффици, Флоренция

Примечание музея - Документ от июля 1481 года гласит, что Леонардо да Винчи получил от обычных канонов Сант-Агостино задачу покраски алтарного стола церкви Сан-Донато в Скопто, расположенной за стенами Флоренции. Картина, которую Леонардо обязался завершить в течение 30 месяцев, имела тему «Поклонение волхвов», то есть празднование праздника Богоявления, в котором, по мнению святого Августина, все народы отвечают на призыв Христа. Для этой темы Леонардо задумал очень сложную композицию, богатую фигурами, сочлененную полукругом, которая имеет в качестве опоры Деву и Младенца. Перед ними волхвы преклоняют колени, принося Иисусу дары золота, ладана и мирры. Леонардо пишет фон, на котором чередуются разрушенная архитектура, столкновения лошадей и всадников; слева - строительство здания, возможно, храма, которому предшествуют два лестничных пролета, как в пресвитериях некоторых средневековых церквей (например, Сан-Миниато-аль-Монте во Флоренции). Храм, который намекает на мир, противостоит толпе рыцарей в битве, представленной на противоположной стороне. В сентябре 1481 года Леонардо все еще работал над картиной, но через несколько месяцев художник покинул Флоренцию, чтобы отправиться в Милан, ко двору Людовико иль Моро (имеется в виду Лодовико Сфорца по прозвищу "Мавр" (il Moro) - прим. Е.В.), прервав исполнение картины для церкви Сан-Донато в Скопто. Августинцы бесполезно ждали возвращения художника, чтобы завершить картину, пока не решили доверить исполнение нового алтаря "Поклонение волхвов" Филиппо Липпи, завершенное в 1496 году. Поэтому «Поклонение волхвов» Леонардо - это картина, приостановленная в своем исполнении на первом уровне черновика.    https://www.uffizi.it/opere/adorazione-dei-magi-44ad4c9a-c0bd-432d-8a0c-9807e05055bb

1482 Леонардо да Винчи. Святой Иероним. 1480-1482, дерево, темпера и масло. 103х75см. Ватиканская пинакотека (506x700, 514Kb)

Леонардо да Винчи. Святой Иероним (St Jerome), ок. 1482, дерево, масло, 103х74 см, Ватиканская пинакотека

Примечание музея - Информация о назначении картины и о том, кому она была заказана, отсутствует. Так и оставшееся в состоянии эскиза это, одно из самых загадочных произведений великого тосканского художника, скульптора, архитектора, инженера и философа. Самое раннее упоминание о Св. Иерониме датируется фактически началом 19-го века, когда его приписывают Леонардо, по завещанию швейцарской художницы Анжелики Кауфманн. После смерти Кауфман все следы картины снова исчезли, пока она не была случайно найдена и куплена дядей Наполеона, кардиналом Джозефом Фешем. Традиционно считается, что кардинал обнаружил картину, разделенную на две части. Помимо истории, картина действительно может быть разделена на пять частей. После смерти кардинала картина была продана с аукциона и продана несколько раз, пока она не была идентифицирована и куплена для Пия IX (Понтифика с 1846 по 1878) для Ватиканской Пинакотеки (1856). Атрибуция работы, предложенной Кауфман, всегда встречало согласие ученых из-за очевидного сходства с другими работами маэстро и, в частности, "Поклонением волхвов" (Флоренция, Галерея Уффици).   https://www.teggelaar.com/en/welcome/

1486 Леонардо да Винчи. Богородица в скалах (La Vierge aux rochers), 1483-1486, дерево, масло (переведена на холст), 199х122см, Лувр_03 (437x700, 106Kb)

Леонардо да Винчи. Богородица в скалах (La Vierge aux rochers), 1483-1486, дерево, масло (переведена на холст), 199х122 см, Лувр

Описание Артхива. Наверное, нет такой картины в арсенале Леонардо да Винчи, которая не была бы связана с какими-либо неясностями, загадками или тайнами. Так и в случае с алтарным образом «Мадонна в скалах». Почему она существует в двух вариантах, один из которых хранится в парижском Лувре, а второй – в Национальной галерее Лондона? Почему они написаны с разницей почти в четверть века? Это и многое другое – в описании картины да Винчи «Мадонна в скалах».

Кто заказал Мадонну? В начале ХХ века в итальянских архивах обнаружен контракт, подписанный 25 апреля 1483 года. Одна из сторон в лице Леонардо да Винчи и еще двух художников - братьев Амброджио и Еванджелисты де Предисов – обязывалась выполнить заказ на написание алтарного образа для церкви Сан-Франческо Гранде, втором по величине после собора религиозном сооружении в Милане.

Срок окончания работ оговаривался конкретно: 4 декабря, через восемь месяцев, когда католики празднуют Введение во храм Пресвятой Богородицы (по григорианскому календарю). Вторая сторона – члены Братства Непорочного зачатия, куда входили представители наиболее уважаемых фамилий города – обязывалась выплатить художникам за выполненную работу 800 лир.

Но, как это довольно часто случалось с Леонардо, что-то пошло не так. Результат совершенно не соответствовал требованиям, прописанным в договоре. Так, на центральной панели заказчики ожидали увидеть Мадонну с Иисусом в окружении ангелов и двух пророков. А на боковых панелях – по четыре ангела с музыкальными инструментами, поющих хвалебные гимны.

Как видим, из всех задумок клиентов Леонардо оставил одну: Мадонну с младенцем. Вместо сонма ангелов и пророков он изобразил еще одного младенца – Иоанна Крестителя, плюс архангела Уриила. Даже боковые панели, предположительно принадлежащие кисти Амброджио де Предиса, не соответствуют предписаниям: на них в музицировании упражняются лишь по одному ангелу вместо четырех (1, 2). Стоит ли говорить, что и со сроками выполнения заказа да Винчи традиционно опоздал – года эдак на два?

Почему Леонардо не выполнил «Мадонну в скалах» согласно условиям контракта? Некоторые исследователи предполагают, что художник всего лишь решил продолжить работу над уже ранее начатой картиной, решив, что она вполне впишется в рамки, оговоренные братством. Либо же рассчитывал, что заказчики не в силах будут отвергнуть его шедевр, лишь единожды взглянув на него, несмотря на расхождения во взглядах.

Но он не учел, что алтарный образ – не просто картина, задуманная чтобы поразить воображение своей искусностью и красотой. Алтарь призван выполнять совершенно конкретные функции и в полной мере отражать догматы заказавшей его церковной общины.

Примечательно, что несмотря на тяжбу с братством, в результате которой Леонардо пришлось даже обращаться к своему влиятельному покровителю – миланскому герцогу Лодовико Сфорца, – чтобы таки взыскать с клиентов причитающийся ему гонорар, сюжет и действующие лица второй картины, которая все же займет полагающееся ей место в алтаре церкви Сан-Франческо Гранде в начале 16 века, будут практически идентичными (теперь эта версия в Лондоне).

Различия присутствуют в нюансах: видимо, пойдя на уступки, Леонардо сделал лики Мадонны, младенцев и архангела неотмирными, словно залитыми лунным сияниям, плюс дорисовал нимбы. Богоматерь на лондонской версии выглядит отстраненной, лица обоих младенцев – не по возрасту взрослыми; исчез загадочный указующий перст архангела Уриила. Надо полагать, более холодная, серьезная и менее земная «Мадонна в скалах» больше соответствовала представлениям братства об алтарном образе и должным образом настраивала на молитвенное предстояние. Теплая, наполненная нежностью и пасторальным очарованием луврская версия пропадет с радаров вплоть до 1625 года. О ее местонахождении и судьбе неизвестно ничего до момента, пока картина не засияла в королевской коллекции во Франции.

Ботанические символы на картине да Винчи «Мадонна в скалах». Живописец интересовался практически всеми сферами науки и естествознания. Он исследовал анатомию человека, животных, геологию, формы растительной жизни. Все это добавляло искусности и реализма его работам, благодаря чему растения, окружающие персонажей картины, легко идентифицируются.В традиции религиозной живописи различным цветам часто присваивались определенные значения, и они редко появлялись на картинах случайным образом. Верующие хорошо владели словарем растительных символов, и для просвещенных считывать их не составляло большого труда.Так, с правой стороны от лика Богоматери изображен водосбор, иначе именуемый «голубкой Святого Духа». Над ее правой рукой – подмаренник. «В английском языке это растение называют «постельной соломкой Богоматери» и традиционно ассоциируют с яслями, – сообщает историк Чарльз Николл. – У ног младенца Христа мы видим цикламен, сердцевидные листья которого символизируют любовь и преданность, а под его коленом – розетку примулы, символ добродетели (недаром Верроккьо изобразил примулу в своей «Женщине с букетом цветов»). Еще одно знакомое растение мы видим за преклонившим колени святым Иоанном Крестителем. Это акант (Acanthus mollis), который традиционно сажают на могилах. Акант – символ воскресения, поскольку ранней весной у него очень быстро отрастают блестящие зеленые листья. На скальных карнизах Леонардо изобразил зверобой. Мелкие красные пятнышки на желтых лепестках этого растения символизируют кровь святого Иоанна Крестителя».Что касается топографических нюансов – скал и грота на заднем фоне – то их совершенство отметила профессиональный геолог и одновременно специалист по Ренессансу Энн Пиццоруссо, изучавшая картину в 1996 году. Ее вердикт мастерству да Винчи звучал так: «Геологический шедевр, в котором Леонардо с особой точностью воспроизводит сложные географические формации».

Почему рядом с Мадонной в скалах есть архангел Уриил, но нет Иосифа?  Основой для сюжета картины послужило жизнеописание Иоанна Крестителя, составленное в 15 веке неким Доменико Кавалькой. В нем повествуется о том, что во время встречи младенцев Иоанна и Христа в пустыне, последний находился под покровительством архангела Уриила.

Что касается Иосифа, мужа Марии, Чарльз Николл в книге «Леонардо да Винчи. Загадки гения» отмечает, что его отсутствие не выглядит случайностью, поскольку на всех картинах с участием Святого семейства живописец исключает Иосифа. Так, на разных версиях «Мадонны с младенцем и святой Анной» Леонардо заменяет Иосифа бабушкой, матерью Марии. «Не нужно быть фрейдистом, чтобы почувствовать глубокую психологическую подоплеку подобного подхода», - пишет автор, намекая, вероятно, на особый статус Леонардо в семье отца, сера Пьеро, который принимал участие в его жизни, хоть и не признавал незаконнорожденного сына своим наследником.

Другой исследователь жизни и творчества да Винчи – писатель Росс Кинг – обращает внимание на женственность внешности ангела Уриила и считает, что моделью для его написания «почти наверняка служила женщина». Зато о том, кто был моделью для написания Мадонны, он не спешит делать выводы: «Впрочем, вопрос о половой принадлежности модели запутался еще сильнее, когда под слоем краски на другой работе Леонардо, лондонском варианте «Мадонны в скалах», был обнаружен ранее неизвестный рисунок. Это портрет Богоматери, и черты Ее в точности совпадают с чертами Филиппа из «Тайной вечери» – из этого можно заключить, что для образов Марии и апостола Леонардо использовал один и тот же набросок и одну и ту же модель. Вопрос о том, женщина это или мужчина, остается открытым». Автор описания Артхива: Наталья Азаренко   https://artchive.ru/leonardodavinci/works/376963~Madonna_v_skalakh_Madonna_v_grote

1490 Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. Чечилия Галлерани, 1489-1490, дм, 54,8х40,3 см. Музей Чарторыйских, Краков (508x700, 521Kb)

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. Портрет Чечилии Галлерани (Lady with an Ermine. Portrait of Cecilia Gallerani). 1489-1490, дерево, масло, 54,8х40,3 см. Музей Чарторыйских, Краков

Описание музея.  Дама с горностаем. Портрет Чечилии Галлерани. Леонардо да Винчи познакомился с Чечилией Галлерани в Милане в 1494 году, когда оба жили в Кастелло Сфорцеско, во дворце Лодовико "Мавра (иль моро, Il Moro)" Сфорца. Она была любовницей герцога; молодая и красивая (ей было всего 15 лет), Чечилия играла музыку и писала стихи. Когда ему было поручено нарисовать ее портрет в 1496 году, он представлял ее с горностаем, потому что ее фамилия Галле на греческом означает «горностай» или потому, что эмблема Лодовико Сфорца была «Горностай (L'Ermellino)». Когда Лодовико Сфорца женился на Изабелле д'Эсте Чечилия, покинуть дворец, но взяла портрет с собой. "Мавр" дал ей приданое и замок за пределами Милана, где она провела остаток своей жизни со своим мужем графом Пергамино.

Пояснения по поводу надписи в левом верхнем углу. Надпись «LA BELE FERONIERE LEONARD D’AWINCI» в левом верхнем углу выполнена позднее и не рукой Леонардо — предполагают, что в начале XIX века после покупки картины Чарторыйским, так как он предполагал, что на этой картине — та же женщина, что на «Прекрасной ферроньере» из Лувра. В любом случае, надпись сделана не в Италии, так как там имя Леонард написали бы с «О» на конце и не использовали бы «W».

Примечания:

1. И слово "BELLE" Мастер Леонардо написал бы с двумя "L" и "da Vinci" написал бы по-человечески.

2. Музейщики (и не только они) пишут "Lodovico" через "о", а между тем известно, что подписывался сам Лодовико "Мавр" Сфорца - "Ludovico ...". Он был колоритным и важным персонажем в судьбе Леонардо да Винчи, поэтому хотелось бы знать точно, а в более подробном повествовании о Леонардо целесообразно было бы привести и его портрет.

3. Опять игра слов позволяет идентифицировать модель.


1490 Леонардо да Винчи. Портрет музыканта. Ок. 1490, дерево, масло. 43х31 см. Пинакотека Амброзиана, Милан (531x700, 473Kb)

Леонардо да Винчи. Портрет музыканта. Ок. 1490, дерево, масло, 43х31 см, Пинакотека Амброзиана, Милан

Описание музея - «Портрет музыканта» - единственная картина Леонардо на дереве, оставленная в Милане. Традиционно считалось, что он изобразил Лодовико иль Моро, герцога Миланского, но когда в ходе реставрации 1905 года расчистили нижнюю часть руки с музыкальным картушем, они начали говорить о портрете музыканта, отождествленном теперь с Франкино Гаффурио (часового мастера Миланского собора), который вместе с франко-фламандским певцом Хоскином де Пре присутствовали при дворе Моро. Совсем недавно была выдвинута гипотеза о том, что это Аталанте Мильоротти, тосканский музыкант и друг Леонардо, который приехал с ним в Милан в качестве певца и опытного исполнителя на лире.Примечание - Короче говоря, кто именно изображён на картине, науке это не известно. А чтобы Леонардо взялся за портрет неизвестного никому человека и не вставил в дальнейшем его в свою картину, это представить невозможно. https://www.ambrosiana.it/opere/ritratto-di-musico/


1490 Леонардо да Винчи. Витрувианский человек (Homo vitruviano), 1490, бумага, мел, 34,3 × 24,5 см. Галерея Академии, Венеция (700x690, 865Kb)

Леонардо да Винчи. Витрувианский человек (Homo vitruviano), 1490-1492, бумага, мел, 34,3х24,5 см. Галерея Академии, Венеция

Эскиз витрувианского человека был обнаружен случайно, в рукописях Леонардо. Создан он был примерно в 1490-1492 гг. При обнаружении эскиза – рядом с ним находились заметки художника относительно пропорций человека: 

"Архитектор Витрувий утверждает в своей работе по архитектуре, что измерения человеческого тела распределяются согласно следующего принципа: ширина 4 пальцев равна 1 ладони, ступня составляет 4 ладони, локоть составляет 6 ладоней, полный рост человека - 4 локтя или 24 ладони... Эти же измерения Витрувий использовал при строительстве своих зданий" .

Основой для рисунка Да Винчи "Человек Витрувианский" стал трактат «Мужчина эквилибре» архитектора Древнего Рима Витрувия, именем которого и названо изображение фигуры. Этот древний римлянин применял пропорции человеческого тела для своих исследований в архитектуре.В своих математических исследованиях Витрувий и Леонардо описывали не только пропорции человека, но и пропорции всего творения. В записной книжке 1492 года была найдена запись Леонардо: "Древний человек был миром в миниатюре. Поскольку человек состоит из земли, воды, воздуха и огня, его тело напоминает микрокосм Вселенной". В нашем современном мире рисунок Да Винчи уже не воспринимается человечеством как символ идеальных пропорций человеческого, в частности, мужского тела. Это изображение скорее символизирует нахождение человека во Вселенной.

Витрувианский человек Леонардо Да Винчи – это образ согласованного состояния жизни, в центре которой находится человек. На рисунке изображена идеальная с точки зрения пропорций мужская фигура. В изображении "витрувианского человека" принято усматривать два тела - две фигуры, одна из которых вписывается в круг, а другая - в квадрат.

Толкование такой композиции имеет следующее значение: Квадрат - символ земного, материального. Центр квадрата находится в паховой области.Круг - символ божественного, в том числе и божественного происхождения человека. Фигура, находящаяся в круге, не содержит черточек, то есть не измеряется. Поскольку как явление божественное, эта фигура и не может быть измерена. Центр окружности - пупок человека.

Две позиции - в круге и квадрате на рисунке - отображают динамику и покой. Таким образом, великий художник передает противоречивость духа – круга, и материи - квадрата. Если дополнить рисунок сторонами Четверицы Хайдеггера, то получится символический образ истинного состояния человека, Божественного наполовину, Смертного наполовину, который опирается ногами на Землю и головой пребывает на Небе.

В этом видится символ того, что человек тяготеет к земному, несмотря на божественную свою составляющую. Витрувианский человек – это не только скрытый символ внутренней симметрии тела человека, но и символ симметрии Вселенной в целом.

Площади круга и квадрата абсолютно равны. Этим показано, что проявленное (материальное) и непроявленное (духовное) – взаимопереходимые состояния. Отличие лишь в частоте.

Для чего духовное материализуется – это уже другой не менее интересный вопрос (Более интересного вопроса для человечества и не придумать - прим. Е.В.). По современным представлениям, видеть только две фигуры в "витрувианском человеке" - слишком просто и плоско.Великий гений узрел и попытался передать другим поколениям глубокий смысл, увиденный им в нашей природе. Таким образом он хотел показать нам смысл «золотого сечения». Изображение витрувианского человека – это и есть зашифрованное «золотое сечение».

Так древние ученые пытаются нам передать смысл Высшей Гармонии.Есть еще одна интересная теория, согласно которой витрувианский человек Да Винчи – это изображение Христа. Художник занимался реставрацией Плащаницы по просьбе ее хранителей. Якобы воодушевленный изображением Христа на святыне, он переносит безупречные пропорции его тела на свой рисунок. А значит, он изображает божественные пропорции человеческого тела. Да Винчи, поместив мужскую фигуру в центр мироздания, изобразил человека по образу Бога.            https://dnevniki.ykt.ru/Vjess/1105454

Примечание - Выявить "золотое сечение" и следовать ему - значит призвать человека к сотворчеству с Создателем в духе Его законов, это и в наше время в XXI веке звучит радикально революционно.


1495 Леонардо да Винчи. Мадонна с Младенцем (Мадонна Литта), сер. 1490-х, холст, темпера (переведена с дерева), 42х33 см_01 (544x700, 52Kb)

Леонардо да Винчи. Мадонна с Младенцем (Мадонна Литта), сер. 1490-х, холст, темпера (переведена с дерева), 42х33 см, Государственный Эрмитаж

Примечание музея - Картина исполнена, очевидно, в Милане, куда художник переехал в 1482 г. Она относится к числу произведений, появление которых ознаменовало новый этап в ренессансном искусстве - утверждение стиля Высокого Возрождения. Прекрасная женщина, кормящая младенца, предстает олицетворением материнской любви как величайшей человеческой ценности. Композиция картины лаконична и уравновешенна. Фигуры Марии и младенца Христа моделированы тончайшей светотенью. В проемах симметричных окон открывается бескрайний горный пейзаж, напоминая о гармонии и грандиозности мироздания. Картина поступила в 1865 г. из миланского собрания герцога Антонио Литта, с именем которого связано ее второе название. Подготовительный рисунок к эрмитажному полотну хранится в Париже в Лувре.

1498_1~2 (700x350, 339Kb)

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря [Ultima Cena (Cenacolo vinciano)], 1495-1498, фреска (масляная темпера), 460х880 см, трапезная монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, Милан

Примечание - Доминиканская церковь и монастырь Санта-Мария-делле-Грацие (Доминиканская церковь и монастырь Милосердия Девы Марии, Chiesa e Convento Dominicano di Santa Maria delle Grazie).

Интересные примечания (http://trip-point.ru/2016/05/17/тайная-вечеря-леонардо-да-винчи-10-отве/):

1. Как правильно называется «Тайная вечеря» Леонардо? Удивительно, но «Тайная вечеря» только в русской версии имеет такое название, в языках других стран и библейское событие, изображенное на фреске Леонардо, и сама фреска носит гораздо менее поэтичное, но очень ёмкое название «Последний ужин», то есть, Ultima Сепа по-итальянски или The Last Supper по-английски. В принципе, название более точно отражает суть происходящего на настенной росписи, ведь перед нами не тайное собрание заговорщиков, а последний ужин Христа с апостолами. Второе название фрески на итальянском — II Cenacolo, что переводится просто,как «трапезная».

2. Как возникла идея написания «Тайной вечери»? Прежде, чем ответить на этот вопрос, нужно внести определенную ясность относительно того, по каким законам жил рынок искусства в пятнадцатом веке. Фактически свободного рынка искусства тогда не существовало, художники, а также скульпторы трудились только в том случае, если получали заказ от богатых и влиятельных семейств или же из Ватикана. Как известно, свою карьеру Леонардо да Винчи начал во Флоренции, многие считают, что покинуть город ему пришлось из-за обвинений в гомосексуализме,но, на самом деле, все было, скорее всего, куда более прозаично.Просто у Леонардо во Флоренции был очень сильный конкурент — Микеланджело, который пользовался огромным расположением Лоренцо Медичи Великолепного и забирал себе все самые интересные заказы. В Милан Леонардо прибыл по приглашению Людовико Сфорца и остался в Ломбардии на 17 лет.Все эти годы да Винчи не только занимался искусством, но и конструировал свои знаменитые военные машины, прочные и легкие мосты и даже мельницы, а также являлся художественным руководителем массовых мероприятий.Например, именно Леонардо да Винчи был организатором свадьбы Бьянки Марии Сфорца (племянницы Людовико) с императором Максимилианом I из Инсбрука, ну и, конечно, он же устроил свадьбу самого Людовико Сфорца с юной Беатриче д’Эсте — одной из самых красивых принцесс итальянского Ренессанса. Беатриче д’Эсте была родом из богатой Феррары, а ее младший брат стал тем самым последним мужем Лукрепии Борджиа. Принцесса была прекрасно образована, муж боготворил ее не только за удивительную красоту, но и за острый ум, а, кроме того,современники отмечали,что Беатриче была очень энергичной особой, она принимала активное участие в государственных делах и покровительствовала художникам.Считается, что идея украсить трапезную монастыря Санта-Мария-делле-Грацие росписью на тему последнего ужина Христа с апостолами принадлежит именно ей. Выбор Беатриче пал именно на этот доминиканский монастырь по одной простой причине — монастырская церковь была по меркам пятнадцатого века сооружением превосходящим фантазии людей того времени, так что и трапезная монастыря заслуживала того, чтобы ее украсила рука мастера. К сожалению, сама Беатриче д’Эсте фреску «Тайная вечеря» так и не увидела, она умерла в родах в совсем молодом возрасте, ей было всего лишь 22 года.

3. Сколько лет Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю»? Правильного ответа на этот вопрос не существует, принято считать, что работа над росписью была начата в 1495 году, шла с перерывами, а закончил Леонардо примерно в 1498 году, то есть,на следующий год после смерти Беатриче д’Эсте. Однако, поскольку архивы монастыря были уничтожены, точная дата начала работы над фреской неизвестна, можно лишь предполагать, что она никак не могла начаться до 1491 года, поскольку в этом году состоялось бракосочетание Беатриче и Людовико Сфорца, а, если ориентироваться на немногие документы,дошедшие до наших дней,то, судя по ним, роспись была на финальной стадии уже в 1497 году.

4. Является ли «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи фреской в строгом понимании этого термина? Нет, в строгом понимании — не является. Дело в том, что данный вид живописи подразумевает, что художник должен писать быстро, то есть, работать по влажной штукатурке и сразу на чистовик. Для Леонардо, который был очень дотошным и не признавал работу сразу набело, это было совершенно неприемлемо, поэтому да Винчи изобрел особый грунт из смолы, габса и мастики и писал «Тайную вечерю» по сухому. С одной стороны, он смог вносить в роспись многочисленные изменения, а с другой — именно из-за росписи на сухой поверхности полотно очень быстро начало разрушаться.

5. Какой момент изображен на «Тайной вечере» Леонардо? Момент, когда Христос говорит о том, что один из учеников предаст его, в фокусе внимания художника — реакция учеников на его слова.6. Кто сидит по правую руку от Христа: апостол Иоанн или Мария Магдалина?Однозначного ответа на этот вопрос не существует, тут строго работает правило, кто во что верит — тот то и видит. Тем более, современное состояние «Тайной вечери» — очень далеко от того, какой видели фреску современники да Винчи.Но, стоит сказать, современников Леонардо фигура по правую руку от Христа не удивила и не возмутила. Дело в том, что на фресках на тему «Тайной вечери» фигура по правую руку от Христа всегда была очень женственной, стоит посмотреть, к примеру, на фреску «Тайная вечеря» авторства одного из сыновей Луини, которую можно увидеть в миланской базилике Сан-Маурицио.Здесь фигура в той же позиции опять же выглядит очень женственной, словом, получается одно из двух: или все художники Милана состояли в тайном заговоре и изображали на Тайной вечере Марию Магдалину, или же это просто художественная традиция — изображать Иоанна женственным юношей. Решайте сами.

7. В чем новаторство «Тайной вечери», почему говорят, что Леонардо полностью отошел от классических канонов?  В первую очередь, в реализме. Дело в том, что, создавая свой шедевр, Леонардо решил отойти от существовавших в то время канонов живописи на библейскую тематику, он хотел добиться такого эффекта, чтобы монахи, обедавшие в зале, физически ощущали присутствие Спасителя. Именно поэтому все предметы быта списаны с тех предметов, которые были в обиходе монахов доминиканского монастыря: те же столы, за которыми ели современники Леонардо, та же утварь, та же посуда, да, что там, даже пейзаж за окном — напоминает вид из окон трапезной, каким он был в пятнадцатом веке.Но, это еще не все! Дело в том, что лучи света на фреске — продолжение реального солнечного света, падавшего в окна трапезной, во многих местах росписи проходит золотое сечение, а благодаря тому, что Леонардо сумел правильно воспроизвести глубину перспективы, фреска после завершения работы была объемной, то есть,фактически она была сделана с эффектом 3D. К сожалению, сейчас, увидеть этот эффект можно только из одной точки зала, координаты искомой точки: 9 метров вглубь зала от фрески и примерно 3 метра над нынешним уровнем пола.

8. С кого Леонардо писал Христа, Иуду и других персонажей фрески?  Все персонажи на фреске написаны с современников Леонардо, говорят, художник постоянно ходил по улицам Милана и отыскивал подходящие типажи, что даже вызвало неудовольствие настоятеля монастыря,который посчитал, что художник недостаточно времени проводит за работой. В итоге Леонардо сообщил настоятелю,что, если тот не перестанет его беспокоить, то портрет Иуды будет написан с него. Угроза возымела действие, и больше настоятель маэстро не мешал. Для образа Иуды художник очень долго не мог найти типаж, пока не встретил подходящего человека на улице Милана.Когда же Леонардо привел статиста к себе в студию, выяснилось, что тот же самый человек несколькими годами ранее позировал да Винчи для образа Христа, просто тогда он пел в церковном хоре и выглядел совсем иначе. Вот такая злая ирония! В свете этой информации известный исторический анекдот о том, что человек, с которого Леонардо писал Иуду, всем рассказывал, что он изображен на «Тайной вечере» в образе Христа, приобретает совсем иной смысл.

9. Есть ли на фреске портрет самого Леонардо?   Существует теория, что на «Тайной вечере» есть и автопортрет Леонардо, якобы художник присутствует на фреске в образе апостола Фаддея — это вторая фигура справа.Истинность этого утверждения до сих пор под вопросом, но анализ портретов Леонардо наглядно демонстрирует сильное внешнее сходство с образом на фреске.

10. Как связана «Тайная вечеря» и число 3?  Еще одна загадка «Тайной вечери» — постоянно повторяющееся число 3: на фреске три окна, апостолы расположены в группах по три человека, даже контуры фигуры Иисуса напоминают треугольник. И, надо сказать, это вовсе неслучайно, ведь число 3 постоянно фигурирует в Новом Завете. Дело не только в Святой Троице: Бог Отец, Бог-Сын и Святой Дух, число 3 проходит и через всё описание земного служения Иисуса.

Три волхва принесли дары родившемуся Иисусу в Назарет, 33 года — срок земной жизни Христа, также согласно Новому Завету три дня и три ночи надлежало быть Сыну Божьему в сердце земли (Мф. 12:40), то есть, Иисус был в аду с вечера пятницы по утро воскресенья, кроме того, апостол Петр трижды отрекся от Иисуса Христа до того, как пропел петух (кстати, предсказание этого также прозвучало на Тайной вечере),на Голгофе возвышалось три креста, а воскрес Христос утром на третий день после распятия.

1499 Леонардо да Винчи. Портрет женщины. Считается Прекрасная феррониера, 1495-1499, дм, 63х45 см, Лувр (480x700, 385Kb)

Леонардо да Винчи. Портрет женщины. Считается "Прекрасная феррониера" (Portrait de femme, dit La Belle Ferronniere), 1495-1499, дм, 63х45 см, Лувр

Примечания:

1. Фероньерка, ж. устар. (а также фероньера) - женское украшение с драгоценными камнями, надеваемое на голову и спускающееся на лоб.

2. Современники вспоминают некоего господина Ла Феррона, жена которого... и т.д. Возможно, что и здесь присутствует игра слов и прямой намёк на известную даму.

1500 Леонардо да Винчи. Спаситель мира (Salvator Mundi), дерево, масло, 66х47 см, Частное собрание (476x700, 454Kb)

Леонардо да Винчи. Спаситель мира (Salvator Mundi), дерево, масло, 66х47 см, Лувр, Абу-Даби

Описание Артхива.  Вечер 15 ноября 2017 года ознаменовался сенсацией в художественных кругах: картина «Спаситель Мира» или «Сальватор Мунди», уверенно приписанная Леонардо да Винчи, стала самым дорогим на планете произведением живописи. На аукционе Christie’s в Нью-Йорке неизвестный покупатель выложил за него немыслимую сумму – 450,3 млн долларов. Это стало логичным завершением 11-летней эпопеи с переоткрытием, исследованием, реставрацией и перепродажей панели – истории более увлекательной, чем любой триллер.

Изображение Христа соотносится со стихом из Евангелия: «И мы видели и свидетельствуем, что Отец послал Сына Спасителем миру» (Иоанна 4:14). Иисус с каштановыми локонами пристально смотрит на зрителя. В его левой руке покоится хрустальная сфера, а правая поднята в благословляющем жесте. По словам профессора Мартина Кемпа из Оксфорда, «Спаситель буквально держит на ладони благополучие мира и его обитателей». При этом Леонардо однозначно представляет Искупителя не божеством, а человеком – что крайне необычно для того времени – без короны или нимба.

Шар – символ властителя и одновременно эмблема самого мира. Он сделан из горного хрусталя, чистейшей разновидности кварца, на что указывают крошечные крапинки и включения, которые кропотливо воспроизвёл да Винчи. В эпоху Возрождения было широко распространено поверье, что этот минерал обладает огромными магическими силами. Его кристаллы устанавливались в реликвариях времён Средневековья. Таким образом, сам материал и совершенство непрерывной формы наделяют сферу чудесными свойствами.

Точно известно, что «Спаситель Мира» принадлежал королю Карлу I Английскому (1600 – 1649). Запись о картине содержится в реестре королевской коллекции, составленной через год после казни монарха.

В период с 1763-го по 1900 годы о панели ничего не известно. За это время её происхождение, авторство Леонардо и «королевское» прошлое были полностью забыты. На заре XIX века работу приобрёл Фрэнсис Кук, посчитав её произведением живописца Бернардино Луини, последователя да Винчи. К этому времени Христу дописали более густую бороду, а его лицо и волосы были настолько перекрашены, что образ изменился практически до неузнаваемости.

Впоследствии коллекция Кука рассеялась, и в 1958 году «Спаситель Мира» был продан с молотка всего лишь за 45 фунтов стерлингов (60 долларов США в ценах 2017 года). Далее панель вновь исчезла почти на полвека и появилась только в 2005 году на региональном американском аукционе уже безо всякой атрибуции.

Новые владельцы шедевра проявили заботу и внимание, заказав его реставрацию доктору Диане Модестини из Института изящных искусств Нью-йоркского университета. Она обнаружила, что первые вмешательства в изображение датируются ещё 1600-ми годами. За время существования картины оригинальный чёрный фон был заменён зелёным, а позже — грязно-коричневым. Перед продажей в 2005 году кто-то – возможно, владелец или местный любитель – нанёс на поверхность новый слой лака, «клейкий и неровный, с грубой подкраской».

В процессе реставрации доктор Модестини заподозрила, что работает с произведением Леонардо да Винчи. «Я шла домой и думала, что сошла с ума. У меня дрожали руки», – вспоминала учёный.

По мере того, как её уверенность крепла, было решено показать картину группе международных экспертов по Леонардо. Панель тщательно и по нескольку раз изучали искусствоведы, кураторы и реставраторы из институтов Флоренции и Милана, национальных галерей в Вашингтоне и Лондоне, из Оксфордского университета, Метрополитен-музея и университета Лестера.

Они единодушно пришли к выводу, что перед ними – творение величайшего художника в истории, но разошлись во мнениях по поводу даты создания. Большинство учёных отнесли картину к концу проживания Леонардо в Милане (поздние 1490-е годы), когда он писал «Тайную вечерю». Другие же посчитали, что «Спаситель Мира» появился несколько позже, уже во Флоренции, куда мастер переехал в 1500 году, а, значит, относится к периоду «Моны Лизы».

В 2011 году «Спаситель Мира» впервые был показан публике на выставке «Леонардо да Винчи. Художник при дворе Милана» в Национальной галерее в Лондоне. Тем самым был признан его статус как одной из всего двух десятков известных нам живописных работ мастера Ренессанса. Открытия подобного уровня не случались с начала XX века, когда вновь была обретена панель Леонардо «Мадонна Бенуа» («Мадонна с цветком»), ныне принадлежащая Государственному Эрмитажу.

Казалось бы, владельцы «мужской Моны Лизы», потратившие столько времени, денег и усилий на реставрацию и идентификацию, должны дорожить своим сокровищем. Помимо прочего, это единственная живописная работа самого знаменитого на планете художника, остающаяся в частной коллекции. Однако в 2013 году «Спаситель Мира» вновь оказался на аукционном подиуме. Тогда его купил за 80 млн долларов швейцарский арт-дилер Ив Бувье и через несколько дней перепродал российскому магнату Дмитрию Рыболовлеву уже за 127,5 миллиона.

Спустя несколько лет миллиардер заподозрил арт-дилера в мошенничестве при сделках с произведениями искусства и подал в суд. «Сальватор Мунди» стал одним из камней преткновения в юридических сражениях. Бувье все обвинения отметает.

Рыболовлев снова решил продать картину. Её беспрецедентная история и грамотный маркетинг аукционного дома Christie’s создали ажиотаж на рынке. В результате «Спаситель Мира» возглавил два списка самых дорогих картин на планете – как проданных на публичных торгах, так и в закрытых сделках. Его стоимость в 2,5 раза превысила предыдущий рекорд «Алжирских женщин (версия О)» Пабло Пикассо (174,9 млн долларов на распродаже в 2015 году), и в полтора раза – «Обмена (Interchange)» Виллема де Кунинга (300 млн долларов в частной продаже в том же 2015-м).

Автор описания Артхива: Влад Маслов

1508 Леонардо да Винчи. Мадонна в скалах (Мадонна в гроте) (Virgin of the Rocks), 1508, дм, 189,5х120 см. Национальная галерея, Лондон (443x700, 478Kb)

Богоматерь в скалах (The Virgin of the Rocks). 1493-1508, дерево, масло. 189,5х120 см. Национальная галерея, Лондон

Далее статья Артхива

Над «Мадонной в скалах» да Винчи вновь нависла тень сомнений

Всё дело в нарциссах. Исследования Энн Пиццоруссо (Ann Pizzorusso), биолога и историка искусства эпохи Возрождения,возобновили дискуссию о том,принадлежит ли «Мадонна в скалах» из Национальной галереи в Лондоне кисти Леонардо да Винчи.

Как известно,существуют две версии этого полотна,написанного в 1483 — 1486 годах. Одно выставлено в парижском Лувре. Второе находится в британской столице. И на нём художник изобразил… несуществующие цветы. Это удивительно,ведь приверженность Леонардо к почти научному изображению природы хорошо известна! На картине из французской коллекции растения и камни выписаны очень тщательно.

                                     Лувр                                                                                   Лондон

1508 Леонардо да Винчи. Мадонна в скалах (Мадонна в гроте) (Virgin of the Rocks), 1508, дм, 189,5х120 см. Национальная галерея, Лондон_03 (700x368, 265Kb)

Ботаника на „луврской“ версии передана в совершенстве. На полотне изображены растения,которые действительно могут произрастать во влажном тёмном гроте, — рассказала Энн Пиццоруссо газете „Гардиан“ (The Guardian). — Но на лондонской версии растения выполнены небрежно. Некоторые вообще не существуют в природе,а на других цветах неправильное количество лепестков».
Пиццоруссо описала новое исследование в своей книге "Твиттинг да Винчи" (Tweeting da Vinci), которая посвящена геологии,гидрологии и водной инженерии в творчестве художника Ренессанса.

«Кажется маловероятным,что один и тот же человек мог написать грот так аккуратно во „французской“ работе и так неестественно в „британской“. Особенно учитывая правдивость Леонардо в изображении природы, — добавила эксперт. — В его работах нет абсолютно ничего,что не соответствовало бы натуре».
Версию Пиццоруссо поддерживает авторитетный садовод Джон Гримшоу (John Grimshaw). Рассказывая о растениях на лондонской картине,он поясняет: «Это очень бросается в глаза,потому что идёт в разрез со всем,что Леонардо делал в период своего ботанического искусства. Это не настоящие цветы. Это странные фантазии, такие себе полу-аквилегии. При взгляде на нарциссы, например, видно, что с цветами всё в порядке,но всё растение неправильное».

Теория Пиццоруссо подкрепляет прошлые сомнения относительно принадлежности полотна кисти Леонардо. В течение многих десятилетий считалось,что картину писали ученики флорентийского художника. Лишь во время реставрации 2010-го года было признано,что мастер работал над ней самостоятельно.

Национальная галерея отказалась комментировать новое исследование,сославшись на собственную опубликованную работу. В ней подтверждаются подозрения в том, что да Винчи не сам писал«британскую» реплику «Мадонны в скалах». Но в публикации также утверждается, что полотно из Лувра опирается на «полностью натуралистические тактики, придающие картине её духовный оттенок», а версия из Лондона«заметно менее натуралистична […] идеальный мир, созданный до физического воплощения нашего собственного несовершенного космоса».
В свою очередь Майкл Дейли (Michael Daley), директор проекта по защите подлинности произведений искусства ArtWatch UK,заявил,что доказательства Энн Пиццоруссо — это«гвоздь в крышку гроба установления авторства да Винчи». Эксперт пояснил: «Смысл существования Леонардо был в понимании и описании природы. Немыслимо, чтобы он мог отредактировать окружающий мир в отдельно взятой картине».       https://artchive.ru/publications/615~Nad_Madonnoj_...


1510(1~1 (462x700, 459Kb)

Леонардо да Винчи. Портрет Лизы Герардини (1479-1528), жены Франческо дель Джокондо, известной как Монна Лиза Джоконда или Джоконда (Portrait de Lisa Gherardini (1479-1528), epouse de Francesco del Giocondo, dite Monna Lisa, la Gioconda ou la Joconde). 1503-1510, дерево, масло, 77х53 см, Лувр

Примечание - Опять игра слов: итал. del giocondo - радостная, улыбающаяся.

1510__~1 (455x700, 358Kb)

Леонардо да Винчи. Святая Анна, Богородица и Младенец, играющий с ягненком, известная как Святая Анна (Sainte Anne, la Vierge et l'Enfant jouant avec un agneau, dite La Sainte Anne), 1503-1519, дерево, масло, 168х130 см, Лувр

Описание музея - Святая Анна, Дева Мария и Младенец Иисус - три поколения, два плода непорочного зачатия - изображены в пейзаже. Скорее всего, картина была заказана в качестве бывшего ветерана Святой Анны в благодарность за рождение дочери Людовика XII, но Леонардо слишком долго работал над картиной, чтобы представить ее заказчику. Композиция является прекрасным примером его экспериментов с композицией фигуры и очень вдохновила художников следующего поколения.

Описание Е.П. Маточкина, канд. искусствоведения, г. Новосибирск

Святые Леонардо да Винчи по-человечески земные и в то же время в высшей степени совершенны и прекрасны. Леонардо подчёркнуто не рисует над их головами нимбы, чтобы не причислять их к рангу святых формальным путём. В божественности же героев убеждает прежде всего их идеально-возвышенный облик и одухотворённая красота. Любовь вечная, жертвенная, как цепи гор, проходит из поколения в поколение, через прошлое к будущему. Леонардо выявляет свой замысел с помощью несложных геометрических построений. Действительно, в композиции явно просматривается движение, которое направлено по диагонали вниз из левого верхнего угла. Оно начинается с горного хребта, который своей дугой повторяет рисунок плеча и правой руки Девы Марии. Туда же вниз устремлён взгляд Святой Анны - матери Марии. Мотив наклонных линий многократно повторен в протянутых руках Марии и младенца и имеет своим завершением маленького ягнёнка - символ жертвенного агнца. По этому нисходящему пути трансформируется и эмоциональное содержание. Если Анна смотрит с величавой радостью, то Мария - с нежностью и состраданием, как будто предчувствуя трагическую гибель своего сына. Леонардо считал художников «внуками бога», а сферу живописи распространял на «философию природы», в том числе, надо полагать, и на философию света. Можно сказать, что свет в его произведениях отождествляется с божественной сущностью персонажей, свет вершит красоту. «Взгляни на свет и вглядись в его красоту», - всегда советовал Леонардо. Сам художник понимал свет как субстанцию, наделённую высшим духовным началом. Любовь вечная, проходящая через все поколения, - любовь Анны, любовь Марии - помогает узреть этот свет, который и есть само божественное очарование.     http://www.centre.smr.ru/win/pics/pic0114/p0114.ht...

1514 Леонардо да Винчи. Иоанн Креститель, 1510-1514, дерево, масло, 69х57 см, Лувр (524x700, 312Kb)

Леонардо да Винчи. Иоанн Креститель, 1510-1514, дерево, масло, 69х57 см, Лувр

Описание сайта "Музеи мира".   "Иоанн Креститель" - один из наиболее известных шедевров да Винчи его позднего периода творчества.

Искусствоведы сходятся в том, что в этой картине великий художник довёл открытую им технику сфумато до совершенства. Фигуру Иоанна да Винчи поместил на тёмный глухой фон, чтобы сосредоточить зрителя только на герое, а с помощью сфумато, мастер добился уникального обволакивающего эффекта.

Моделью для картины стал известный ученик Леонардо – Салаи, который был рядом с мастером более 20 лет, и историки до сих пор спорят о природе их взаимоотношений.

Сама картина объединяет как традиционную символику, так и новаторские элементы. Герой обладает женоподобной внешностью и облачён в шерстяную одежду, также каноническим является изображение его с длинными волосами и указывающим в небо перстом. Впрочем, поднятый вверх палец выступал лейтмотивом во многих работах великого итальянца. Фигура Иоанна и его правая рука, размещённые в своих диагоналях, напоминают зашифрованный символ креста. Сам же тростниковый крест еле угадывается на картине. Герой не бездушен и строг – на его лица играет лёгкая улыбка, а глаза кажутся живыми и пристальными, к тому же он невероятно молод, что не вязалось с современными представлениями о знаменитом Святом. Картина вызвала недоумение даже у почитателей Леонардо.

Если вспомнить более ранние работы автора, где герои всегда помещены в живописный фон, где выступает природа, то «Иоанн Креститель» и в этой связи выглядит более чем оригинально, что не только указывает на творческие поиска автора, но и на постепенную смену эстетики живописи Ренессанса. Некоторые исследователи считают, что в этой работе да Винчи положил начало маньеризму, который всё больше будет проявляться в последующие годы, сменившие эпоху Возрождения.    

https://muzei-mira.com/kartini_italia/1932-svyatoy...



1515 Леонардо да Винчи. Автопортрет, ок. 1515, рисунок сангиной, 33,3х21,3 см. Национальная библиотека, Турин (502x700, 521Kb)

Леонардо да Винчи. Автопортрет, ок. 1515, рисунок сангиной, 33,3х21,3 см. Национальная библиотека, Турин


Леонардо да Винчи считается одним из самых ярких представителей эпохи Возрождения. Этот «универсальный человек» намного опередил время своим гениальным творчеством, открытиями, исследованиями. После себя мастер оставил много неразгаданных тайн, среди которых и место его захоронения. Умер да Винчи вовсе не в Италии, как полагают многие, а во Франции. Однако многие ученые до сих пор спорят, чьи останки на самом деле покоятся под гранитной плитой с именем великого мастера.

После смерти Джулиано Медичи Леонардо да Винчи лишился могущественного покровителя. Когда в 1516 году его пригласил к себе французский король Франциск I на место придворного художника, постаревший да Винчи без капли сомнения согласился. В тот период Франция активно приобщалась к Ренессансу, поэтому да Винчи выражали всеобщее почитание. Однако художнику на тот момент было уже 65 лет. Силы покидали мастера, правая рука немела. Он все реже брал в руки краски. Судьба отмерила ему прожить во Франции всего лишь пару лет.

Согласно легенде, французский король Франциск I находился у смертного одра да Винчи, когда тот отходил в иной мир. В замке Клу (Кло-Люсе), где умер великий мастер, сейчас открыта для всеобщего обозрения комната, в которой жил Леонардо да Винчи. Интерьер апартаментов отличается от общего стиля замка, т. к. историки постарались реконструировать интерьер в стиле Ренессанс до мельчайших деталей.

Согласно завещанию, Леонардо да Винчи был похоронен в церкви Сен-Флоратен в городе Амбуазе. Подтверждением этого считается запись, сделанная в церковном регистре в 1519 году: «В галереи этой церкви был похоронен господин Леонардо да Винчи, миланский дворянин, первый живописец, инженер и архитектор короля, государственный мастер механики и бывший живописец миланского герцога». 

В результате продолжительных гугенотских войн, происходивших во второй половине XVI века, церковь Сен-Флоратен постепенно разрушалась. Бедняки растаскивали саркофаги аристократов, среди которых находилась могила и Леонардо да Винчи. Забирали даже крышки гробов, сваливая останки умерших в одну кучу. 

В 1863 году, благодаря энергичности французского критика Арсена Гуссе, на месте церкви производились раскопки. Найденные останки усопших были перемешаны, а кости Леонардо да Винчи выбирались наугад. Критик Гуссе руководствовался прижизненным описанием внешности художника – большим ростом, массивным черепом, высоким лбом. Рядом с «подходящими» останками удалось обнаружить камни с изрядно потертыми буквами INC. Затем исследователь обнаружил плиты с надписями LEO и DUS. Арсен Гуссе ликовал: фрагменты складывались в имя великого мастера LEOnarDUS vINCius. 

Часовня Сен-Юбер. | Фото: commons.wikimedia.org.

Часовня Сен-Юбер

В 1874 предполагаемые останки Леонардо да Винчи были перезахоронены в часовне Сен-Юбер. А на первоначальном месте его погребения после Первой мировой войны поставили гранитный монумент. 

В часовне Сен-Юбер находится гранитная плита с именем Леонардо да Винчи. Рядом на стене висит эпитафия, в которой говорится о последних годах жизни мастера и перенесении его костей из церкви Сен-Флоратен. Однако достоверно никто не может сказать, чьи останки покоятся под могильной плитой да Винчи. 

Находясь на службе у короля Франции, Леонардо да Винчи практически не занимался живописью. Вместо этого он, великий художник организовывал свадьбыИсточник