Посвящена эта тема необычному виду изобразительного искусства – оптическим иллюзиям. Каждому из нас приходилось хоть раз сомневаться в том, что видят наши глаза, удивляться тому, как рассматриваемый нами объект может представляться одной вещью, а при повороте представать совсем иной. Визуальные парадоксы и каламбуры уже не первое столетие очаровывают и захватывают людей, уводя их в увлекательный мир игры. Исследование феномена оптических иллюзий началось ещё в конце XIX столетия, но до сих специалисты-профессионалы не могут объяснить, как многие из них “работают”. В данной теме представлен наиболее полный спектр существующих зрительных иллюзий, расположенный во временном порядке по мере их появления и развития. Читателя темы ждёт незабываемое путешествие в мир оптических иллюзий.
Эпиграфом к этой теме может стать высказывание известного графика, непревзойдённого мастера оптических иллюзий, М. К. Эшера: “Рисовать – значит обманывать”. Действительно, ведь любая картина – это художественный обман, поскольку представляет собой набор цветовых пятен и линий, расположенных на плоскости. От художника требуется немалое мастерство, чтобы убедить зрителя в наличии объёма и перспективы, создать пространственную иллюзию в своём произведении. Иллюзии – это искаженное, неадекватное изображёние свойств воспринимаемого объекта. В переводе с латыни “иллюзия” означает “ошибка, заблуждёние”. Что же художники заблуждались и ошибались, идя на создание в своих работах всевозможных визуальных каламбуров и парадоксов? Или они пытались по иному взглянуть на окружающий мир, отойти от обыденного и внести толику необычного и чудесного?
Рассмотрим же некоторые виды оптических иллюзий, встречающиеся в произведениях искусства. Приблизительно их можно разделить на две группы: первая – аналитическая, тесно стыкующая с математикой, вторая – эмоциональная, основывающая на шутке, игре воображёния. Математическая тема в искусстве поистине безгранична, однако существует несколько наиболее часто и необычные перспективы, анаморфные изображёния. К подобным относятся сильно искажённые изображёния, которые необходимо рассматривать с определённого ракурса или с помощью специального зеркала – анаморфоскопа. Тогда безобразная картинка вновь приобретает нормальные, узнаваемые черты. Игра с перспективой берёт начало из известных примеров анаморфного искусства, использующего искажённые сетки перспективы.
Самый выдающийся пример анаморфозы – картина художника (1533) Ганса Гольбейна “Послы". Французский посол в Лондоне - Жан де Детенвиль, слева, и французский, но уже посланник в Венеции, епископ, Жорж де Сельвье. На переднем плане оной картины изображён вытянутый череп.
Близко с анаморфозой стыкуются эксперименты с зеркалом. Ведь зеркало может не только отражать, но и искажать, причём не произвольно, а по известным правилам. Деформация становится своего рода искусством. Достигнув наивысшего расцвета в XVII веке, искусство деформации продолжало развиваться и видоизменяться, перейдя от искажённых изображёний к созданию неестественных конструкций. Невозможные объекты представляют собой огромный класс зрительных иллюзий, интерес к которым появился в XX веке. Это геометрически противоречивые изображёния объектов, не существующих в реальном трёхмерном пространстве. Исследования подобных предметов вылилось в целое направление в искусстве, именуемое имп-арт.
Основателем этого течения считается шведский художник О. Рутерсвар, придумавший первую фигуру – невозможный треугольник, составленный из девяти одинаковых кубиков. Позже появились уже и невозможные виды, и невозможная лестница. Новая эпоха имп-арта началась с произведений М. К. Эшера, который перешёл от рисования отдельных невероятных предметов к созданию невозможной реальности. Его идеи дали толчок к творчеству многих и многих художников по всему миру. Пожалуй, одной из самых необычных стал приём тесселяции:
Термин “тесселяция” означает процесс деления изображёния на более мелкие формы, т. е. при тесселяции фигуры покрывают полностью всю поверхность, совмещаясь без наложений и пробелов. В своих картинах Эшер лишь заменил отдельные плитки на узнаваемые фигуры. Одну из многочисленных групп оптических иллюзий составляют иллюзии, построенные на особенностях нашего зрительного восприятия.
Человек воспринимает бОльшую часть информации (87%) об окружающем мире благодаря зрению. Однако мало кто знает, как это происходит. В нашем зрении существует немало парадоксов: во-первых, изображёние, поступающие на сетчатку глаза, перевёрнуто, согласно разделу физики, оптикой называемой, оно поступает в мозг, и уже он, мозг, строит новое пространство, которое мы и “видим”. Во-вторых, из-за несовершенных оптических свойств глаза воспринимаемая на сетчатку картинка размазана, далее – наш глаз постоянно производит непроизвольные движёния (10 тыс. в сутки) при слежении за движущимися объектами, к тому же моргает приблизительно 15 раз в минуту, и в этот момент изображёние перестаёт проецироваться. Человек обладает бинокулярным (двойным) зрением, он видит одновремённо два изображёния, поэтому возникает определённая проблема совмещения информации, поступающей с обоих глаз. На этих особенностях строятся многочисленные оптико-геометрические иллюзии, в которые входят иллюзии восприятия размера, иллюзии цвета и контраста, движёния, восприятия глубины. Вторую группу оптических иллюзий составляют визуальные каламбуры и парадоксы совсем иного рода.
Начало им положил итальянский художник-маньерист Дж. Арчимбольдо, прославившийся портретами-аллегориями, где в единый художественный образ прихотливо сплетались различные предметы, а также представители флоры и фауны. Их успех был столь ошеломляющий, что портреты породили множество подражёний, получивших название “арчимбольдесок”. Арчимбольдо же принадлежит и честь создания необычных картин-перевёртышей. Правда, они были известны и до него, но именно он дал перевёрнутым картинкам новую жизнь в искусстве. Замысел заключался в том, что при повороте картин на 180 градусов менялся не только жанр, но и смысл изображёния. Идеи итальянского мастера были подхвачены художниками последующих эпох, в частности сюрреалистами, среди которых занимал С. Дали. Он виртуозно воплотил в своих работах принцип двойственных изображёний, когда один образ неожиданно превращался в другой, иной раз абсолютно противоположный. Замешанный на его “критико-параноидальном” методе, принцип стал лидирующим направлёнием в искусстве оптических иллюзий, наряду с другим не менее интересным жанром “камуфляжа”, в основе которого лежит распознавание образов.
Предлагаем читателю погрузиться в удивительный и неповторимый мир оптических иллюзий на примере:
1- Арчимбольдо Джузеппе (1527-1593). Итальянский живописец и рисовальщик, представитель маньеризьма. Родился в Милане в семье художника. Известно, что в молодости Джузеппе помогал отцу, занимавшемуся росписями миланского Дуомо им. девы Марии. Друг отца Бернардино Лузини, познакомил юношу с рукописями Леонардо да Винчи, послужившими толчком к необычному творчеству Арчимбольдо.
С 1562 года он состоял на службе при дворе императора Фердинанда I в Вене, Максимилиана II и Рудольфа II в Праге. Человек многих дарований, Арчимбольдо совмещал в одном лице инженера, художника, архитектора, музыканта, являя собой “леонардовский” тип универсального мастера. В его обязанности входила организация праздничных торжеств, проектирование водных сооружёний и музыкальных автоматов, писание королевских портретов, но главное – кураторство над знаменитым “Кабинетом” Рудольфа II, включавшим коллекцию произведений искусства и всевозможных редкостей. После двадцать шести службы у Габсбургов, в 1587 году художник, обременённый славой и богатством, вернулся в родной Милан. Здесь Арчимбольдо создал два самых известных своих портрета – “Флора” (1591):
Флора – римская богиня цветов, юности и удовольствий. Традиция изображёния Флоры в виде прекрасной девушки идёт ещё из античности. Заимствуя эту идею, художник довёл её до совершенства: образ Флоры предстал в виде композиции из цветов, в которой одно из главных мест заняла “королева цветов” – роза. А придворный литератор Грегорио Команини написал к картине стихотворный комментарий, построенный на игре слов “цветы” (flori) и “Флора” (Flora); и
“Вертумин” (1591) – картина представляет портрет императора Рудольфа II в облике Вертумна, божества превращёний и смены времён года, имеющего способность принимать любое обличье. Созданный из овощей и фруктов, где каждый плод имеет своё значение и смысл, образ в причудливой форме скрывает аллегорию императорского величия, рисует облик могущественного Плодоносителя, осеменяющего Природу. За этот портрет император Рудольф пожаловал ему титул “графа Палатинского”. Как живописец Арчимбольдо прославился фантастическими портретами-“коллажами”, “скомпонованными головами”, составленными из различных предметов, животных и растений. В основе всего его творчества лежало стремление к познанию процессов и явлений, происходящих в окружающем мире, а также в человеке как модели Вселенной. “Я в образе горы, и это портрет, Природа, выраженная искусством Арчимбальдо” – было написано на обратной стороне автопортрета художника, сохранившегося до наших дней лишь в копиях других мастеров. В качестве исходного момента программы Арчимбольдо указывают учение Аристотеля об Универсуме, его составных частей – “Четырёх элементов” и “Времён года”, символизирующих тождество микро- и макрокосмоса. Свою главную задачу художник видел в отображёнии макрокосмоса в микрокосмосе, при этом картина как художественное произведение представляла собой микрокосмос, отображающий макрокосмос и законы его устройства. Поэтому основой живописи есть рисунок, т. к. каждый предмет сам по себе, будучи микрокосмосом, должен быть изучен в совершенстве. Идеи Арчимбольдо нашли прекрасное воплощение в двух сериях – “Времена года” (первый вариант в 1563 оду, второй – в 1573) и “Элементы” (1566 год). Выполненные для императора Максимилиана Третьего, они в аллегорической форме утверждали мысль о постоянстве и природной естественности власти Габсбургов: господство над миром символизировали “Элементы”, а “Времена года” воздавали хвалу и показывали изобилие, обязанное их доброму правлению. Обе серии были задуманы как единое целое: каждому времени года соответствовал свой элемент, а также возраст человеческой жизни и темперамент. Поэтому Весна в образе девушки сочеталась с Воздухом, жаркое молодое Лето – с пылающим Огнём, зрелая Осень
– с плодородной Землёй. А старая дряхлая Зима – с Водою (Осень -1573. Это автопортрет художника. В натурфилософии Осень ассоциируется со зрелостью человеческой жизни. И Арчимбольдо, уподобив свой 46-летний возраст этой поре, развил в картине тему знойного полдня, плоды которого вырастают из золотых колосьев пшеницы. Это единственная работа, имеющая подпись мастера “Archimboldo Guiseppe”, вплетённую в воротник одежды фигуры, и дату создания – “1573”. Одна из первых попыток художника воплотить идею метаморфозы, в которой он видел возможный путь познания Вселенной. Это ещё не портреты, “сложные головы”, а скорее причудливые силуэты, составленные из отдельных, нагромождённых друг на друга плодов и растений. Антропоморфность, свойственная поздним произведениям художника, лишь угадывается в этих картинах). Применённый в обоих циклах приём изображёния в виде антропоморфных фигур, составленных из разнообразных вещей, наглядно демонстрировал идею метаморфозы “dicorsconcordia” (совмещение не совместимого) – приёма столь любимого Арчимбольдо и художниками-маньеристами. При жизни успешный и знаменитый художник, был забыт сразу после смерти (sic trancit gloria mundi !). Его наследие вновь обрело популярность на волне скандального интереса к творчеству сюрреалистов, провозгласивших Арчимбольдо своим предтечею.
Огородник (1590).
-Блюдо с овощами (1590). Арчимбольдо один из первых использовал в своих картинах свойства оптических иллюзий, создавая забавные картины-перевёртыши (визуальные каламбуры). Их замысел необычен: при повороте на 180 градусов они полностью меняли смысл изображёния, превращаясь из портрета в натюрморт и обратно.
-Жаркое (1590); -повар (1590). Игровое начало, шутка, источником которых являлось воображёние, личное творческое начало мастера были важнейшими категориями культуры маньеризма: они проявлялись не только в перевоплощении, но и таили и скрытые глубинные аллегории, смысл которых заключался в стремлении к познанию законов устройства мира.
2-Теплов Геннадий Николаевич (1717-1779)-
-художник, госдеятель, мыслитель, литератор. Геннадий Николаевич – сын дворцового истопника, учился у Феофана Прокоповича, для продолжения учёбы был отправлен в Германию. По возвращении на родину работал переводчиком в Академии наук. В царствование Екатерины Второй сделал прекрасную карьеру: был статс-секретарём матушки государыни, с 1767 года – тайным советником (в Табеле о рангах - III класс, "Ваше высокопревосходительство"), а потом и вовсе стал сенатором. Талантливый и образованный человек, он реализовал себя в разных сферах деятельности. Ещё в Германии Теплов увлёкся философией Х. Вольфа, что привело к написанию философского трактата, сыгравшего значительную роль в распространении вольфианства в России. Пробовал он себя и в музыке, литературе и живописи, явившись родоначальником жанра “обманок” в России.
-Натюр морт 1737.
Известна легенда античной Греции: поспорили два художника Зевксис и Паррасий, кто из них лютче. Первый нарисовал виноградную гроздь, да так искусно, пролетавшие мимо птицы пытались клевать нарисованные ягоды. Уверенный в победе, Зевксис обратился к Паррасию с вопросом, а где его работа, и, услышав в ответ: “Там, за занавеской”, подошёл и попытался её отдёрнуть. Каково же было его удивление, когда он понял, что занавеска нарисована. Так началась история “обманок” – художественных шуток, широко распространившихся в Европе в эпоху Ренессанса.
-Натюр морт с нотами и попугаем. 1737. С изобретением перспективы, светотеней и масляной краски, когда художники получили возможность создавать такое изображёние, которое нетрудно было спутать с оригиналом. Подобные картины рисовали в натуральную величину на холсте, стене, дверях, их необходимо было рассматривать с определённого расстояния, чтобы ещё сильнее внести путаницу. Однако при всём их натур подобии главным в этих картинах оставалась игра в как бы реальность, поскольку зачастую набор предметов в обманке был случаен и даже бессмыслен, тем самым подчёркивалось игровое, гротескное начало замысла.
3-Толстой Фёдор Петрович (1783-1873)- русский скульптор, живописец, гравёр и медальер. Родился в столице Российской империи в семье начальника Кригс-комиссариата. Знатное дворянское происхождение определило всю его дальнейшую судьбу: учёба в Морском корпусе и блестящая карьера морского офицера. Но в 1804 году он подал в отставку и поступил в Петербургскую Академию художеств, в медальерный класс под руководством И. П. Прокофьева. В 1810 году художник приглашён на службу в Монетный двор в качестве медальера. Творческая карьера Толстого складывалась удачно: в 1842 году он получил звание профессора медальерного искусства, в 1849 – профессора скульптуры, с 1828-1859 год занимал пост вице-президента Академии художеств.
Имя Фёдора Петровича Толстого в искусстве связано в первую очередь не с живописным творчеством, а со скульптурой, графикой и медальерным искусством, которые художник считал самыми важными своими занятиями. Ещё во время учёбы в Академии он создал свою первую серию барельефов из воска – портреты друзей и близких, картины на античные темы. Одной из главных работ Толстого стало создание серии медальонов, посвящённой событиям Отечественной войны 1812 года. Выполненные на дисках диаметром 16 см, они запечатлели крупнейшие битвы и сражения войны.
-натюр морт с красными ягодами. 1837. Большое место в творческом наследии мастера занимают иллюстрации к поэме И. Ф. Богдановича “Душенька” (1820-1833), в которых отразились лучшие стороны его рисовального искусства. Написал Толстой и несколько живописных полотен (“Семейный портрет”, 1830; “Вид дачи Марковиль в Финляндии”, 1855 и etc).
-натюр морт Цветок, бабочка и мухи. Фёдор Петрович одним из первых он обратился к жанру интерьерных композиций, картин-“обманок”. Изображения всевозможных ягод, цветов, бабочек, мух, птиц были настолько убедительны, что с трудом верилось в их ненатуральность. Особое место в наследии Толстого занимают пейзажи и натюрморты, в которых художник использовал эффект иллюзорности (полный эффект сходства изображения с натурой). Известен его пейзаж, якобы прикрытый тонкой папиросной бумагой, сквозь которую просвечивает нарисованное изображение. Для пущей убедительности уголок бумаги с одной стороны картины загнут, хочется взять за него и смахнуть лист. На самом деле ни папиросной бумаги, покрывающей картину, ни капелек воды, застывших на этих натюрмортах, в действительности не существует, а есть лишь высочайшее мастерство художника, создавшего столь достоверную иллюзию натуры.
4- Тиканобу Тоёхара. Японский художник, мастер укиё-э (1838-1912). Представитель позднего периода истории развития укиё-э. Настоящее имя – Хасимото Тадаёси. Родился в префектуре Ниигата, учился живописи в Эдо (Токио) в школе Кано (см. tему "Шедевры мировой живописи... Японская гравюра"), потом увлёкся ксилографией и поступил в мастерскую Кунитика Тоёхара. По японским обычаям ученик взял фамилию учителя и псевдоним, начинающиеся с последнего иероглифа его, сэнсэя, имени. В отличие от наставника, посвятившего себя миру театра, Тиканобу обратился к жанровой живописи. Сюжетами его композиций были сцены из прошлой и совремённой жизни Японии, легенды и мифы, изображёния прекрасных женщин и детей, события китайско-японской войны 1894-1895 годов.
- "Снег в Рокухара" из серии "Снег, луна и цветы". Как и Кунисада Утагава, Тиканобу Тоёхара обратился к литературному источнику, взяв за основу сюжет из “Хэйкэ-моногатари” (“Повесть о доме Тайра”). В XII веке в Японии развернулась война между двумя кланами – Тайра и Минамото. В 1156 году сторонники Тайра заняли столицу Японии Киото, и глава клана Тайра, Киёмори, стал фактическим правителем бОльшей части страны. Получив титул великого министра (дайдзё дайзин), Киёмори отдал ключевые посты в управлении государством своим родственниками и установил жесточайшую диктатуру. Художник изобразил на гравюре загородную резиденцию Тайра в Рокухара.
-Стареющий Киёмори-сан оглядывает заснеженный сад, и ему чудится странное видение: снег, покрывающий землю, деревья и камни, неожиданно превращается в черепа и скелеты, как бы напоминая тирану о людях, которых убили по его приказу.
Главной темой творчества художника стали события и люди эпохи Мэйдзи (1868-1912). В этот период в стране произошли глобальные перемены: падение сёгуната Токугава, возврат власти к микадо, окончание периода ”блестящей изоляции” и активное внедрение европейских теорий, технологических новшеств, моды, etcв японское общество. Тиканобу – официальный художник новой японской элиты. Императорская семья и её окружёние, их нравы и обычаи, портреты жёнщин, одетых по европейскому образцу и в традиционных нарядах, изображёние японцов, путешествующих за границей, всевозможных новинок, как концерт европейского оркестра, - вот круг тем, нашедших отражёние в творчестве Тиканобу Тоёхара.
-из серии “Образы благородных женщин в эпоху Токугава”, “Нравы и обычаи Эдо”, etc.
5- Гилберт Чарльз Аллан (1873-1929). Родился в городе Хартфорд. О жизни художника известно очень мало, до такой степени, что не сохранилось ни одного его изображения. С детства Гилберт был слаб здоровьем, в его биографии даже упоминается о том, что он был инвалид. В юности увлёкся искусством и начал брать уроки рисования у Чарльза Ноэля Флага, основателя Художественного общества для студентов в Коннектикуте. В 19 лет он уехал учиться в Нью-Йорк, потом в Париж, откуда вернулся в Нью-Йорк, где открыл художественную студию. Его стала одним из самых популярных учебных заведений, где учились многие таланты.
- Помимо преподавания Гилберт много рисовал: начав с рекламной деятельности, приносившей художнику немалый доход в звонкой монете, он занимался журнальной и книжной графикой, писал пейзажи и натюрморты, но в возрасте 55 лет Чарльз Аллан Гилберт умер от пневмонии.
- Но самым известным его произведением до сих пор остаётся гравюра “Тщеславие”, созданная в 1902 году. Самая известная работа художника – яркий пример оптической иллюзии, имеющей двойной игровой смысл. Первый образ – молодая жёнщина, разглядывающая себя в зеркале, при этом она и её зеркальное отражёние складываются в силуэт усмехающегося черепа и составляют второй образ, в котором скрытая явная аллегория. Тщеславие, гордыня – один из грехов христианской морали, сравнимый с идолопоклонничеством, и прежде всего, к самому себе, что наиболее ярко отразилось в мифе о Нарциссе. С эпохи Возрождения художники представляли тему тщеславия в образе обнажённой прекрасной женщины, любующейся собою. С ещё более древних времён берёт начало иконография черепа как символа смерти и увядания, быстротечности жизни, спутник мрачных размышлений. Поэтому его изображали на портретах святых, отринувших мирскую суету, и кающихся грешников. Аналогия Гилберта понятна, но мрачный смысл, заложенный в картине, скрашивается оригинальностью и необычностью воплощения.
6- Вазарели Виктор (1908-1997).Урожёнец города Печ, в 1930 году переехал в Париж. Стал известен как французский художник и один из основателей авангардистского течения – оп-арта. Первоначально работал в области плакатной графики. В середине 1940-х обращается к живописи, работая в стиле геометрического абстракционизма, от которого и берёт начало оп-арт.
-Атолл. “Оп-арт” – сокращённый вариант от opticalart, в переводе на русский – “оптическое искусство”. Композиции, строившиеся на ритмических повторах, резких цветовых и тональных контрастах, пересечениях спиралевидных и решётчатых конфигураций, извивающихся линиях, создают иллюзию (оптический эффект) перемещения форм на плоскости и в пространстве. “Чистый цвет и чистая форма могут вместить в себя весь мир”, - считал художник, написанных яркими, “космическими” красками, поразительного эффекта преображения пространства, возникающего только в ощущении зрителей. В 1955 году он опубликовал “Жёлтый манифест”, названный по цвету бумаги, на которой был напечатан, где изложил основные принципы направления. Помимо этого, Вазарели пробовал свои силы и в монументальной архитектуре, и в малых формах, например, мультиплях, стремясь к массовости и общедоступности искусства. Одним из первых художников, сумевших живо передать движёние, был Ван Гог, использовавший особую технику письма, когда мазки его кисти были похожи на застывшие вихри.
-Вега-нор.1967. Задача оп-арта – обмануть человеческий глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвав в зрительной системе “несуществующий” образ, заставить испытать движение, ощутить его -при всматривании в картину более пяти минут, человек испытывает лёгкое головокружение.
-Зебры. 1939. Но в работах мастеров оп-арта нет и намёка на предметное изображение: в качестве средств образной выразительности в оптических картинах фигурируют цвет, контрастный или мягкий, и геометрический рисунок из точек, линий, кривых и спиралей. Эти пространные “обманки” опираются на особенности визуального восприятия, и в первую очередь на восприятие некоторых конфигураций на плоскости. Как, например, чередующиеся белые и чёрные концентрические окружности создают иллюзию пересекающихся лучей наподобие работающего пропеллера. Или наложение друг на друга геометрических структур даёт эффект волны, а куб, на котором резко выделены все рёбра, постоянно меняют свои грани, выдвигая их то вперёд, то назад.
-Перспектива.
-настоящая фамилия мэтра -
Настоящая фамилия – Вашаркей. В результате всех наложений и совмещений разных орнаментов возникает эффект “вторичных образов”: наш мозг, пытаясь “организовать” узоры разными способами, не останавливается ни на одном, ибо ищет предметы, которые не в силах найти.
7-Хорват Вернер (1949- ). Урожёнец небольшого австрийского города Линц, Вернер Хорват не является профессиональным художником. По первой и основной своёй специальности, он – врач-радиолог. Радиология – это раздел медицины, изучающий применение ионизирующих излучений для диагностики и лечения различных заболеваний. Вероятно, под воздействием своей работы Хорват заинтересовался идеями радикального конструктивизма, благодаря которому детское увлечение рисованием переросло в нечто бОльшее.
-Идеи конструктивизма базируются на том, что знание принципиально не может соответствовать объективной реальности или “отражать” её, поскольку единственный доступный индивиду “реальный мир” представляет собой конструкцию, порождаемую самим индивидом в процессе познания на основе своего сенсорного опыта. Отсюда и следует главный вывод о том, что знание не обретается пассивным образом, а активно конструируется познающим субъектом. Вернер Хорват строит свой художественный мир, исходя из этого постулата, веря в то, что формы внешней реальности не имеют никакой действительности внешнего субъективного мира, который мы создаём с помощью нескольких психологических механизмов. По мнению художника, мы живём в “символическом” мире, где каждая личность являет собой не только человека, учёного, поэта или политического деятеля, а ещё и некий символ, сокрытый в нём.
-Триптих "Распятие" -одна из известных работ Хорвата – алтарь Кастеллос, хранящийся на вилле Искусств на Крите. Левая часть алтаря представляет собой сцену “Поклонение младенцу”, где вместо девы Марии – Майкл Джексон, держащий на руках ребёнка, лицо которого покрыто платком, а волхвов заменили журналисты и фоторепортёры. Центральная часть называется “Распятие”: и в образе Христа изображён известный рок-музыкант Джим Моррисон. Справа – “Снятие с креста”, полностью повторяет фотографию мёртвого Эрнесто Гевара:
1-как вы понимаете выражение “рисовать – значит обманывать”?
2-кого изобразил Тиканобу Тоёхар в своей работе “Снег в Рокухара”?
3-кто изображён на первой, самой-пресамой первой иллюстрации в данной теме?
В данной работе использован материал из книги, входящей в серию "Мировое искусство". (СПб СЗКЭО. 2015). В книге представлены биографии 44 (сорока четырёх) художников, maximalno ярких представителей направлёния, а также более 300 (трёх сот) репродукций картин. Если, мало ли чего, кто-то, в жизни всякое может случиться, вдруг, заинтересовался - милости просим, обращайтесь к этой книге. С ув. и искренне ваш, Егор Веснушкин.
